José Ángel Leyva

Nicanor Parra: “Corrupción sustentable, venceremos”

Entramos en la fase vacacional, para quienes gozan de este derecho disfrazado de privilegio, sobre todo en nuestros países latinoamericanos, donde lo derecho no es parejo, y el estado de derecho es un estado de precariedad y corrupción. Hace unos días tuve la fortuna de conocer y conversar con el antipoeta Nicanor Parra. Con sus 95 años a cuestas se mueve y piensa con el resorteo de un atleta, con la capacidad de atrapar moscas y liebres al vuelo. Gracias a José María Memet nos recibió en su casa, a Susan Heimlich y Carlos Cantuarias y a mí. No puede uno estar cómodo en la vida sin cruzar unas palabras con semejante personaje. No voy a hacer la crónica de ese encuentro, la dejo para más adelante; me comprometo con lo lectores de La Otra-Gaceta para contarles sobre esas dos horas de charla en La Cruces, donde por cierto descansan los restos de otro grande de la poesía, Vicente Huidobro.
    Una de las primeras frases que soltó el creador de los artefactos poéticos cuando abrió la puerta de su casa fue: “Corrupción sustentable, venceremos”. Sí, la corrupción nos está carcomiendo las entrañas. La situación política en México y el avance de un pernicioso espectro al poder me hace suponer que Nicanor Parra estaba disparando el dardo al nervio. Quizás pensaba en su propio país, pero nada comparable con nuestra nación, donde la izquierda está conformada por priistas conversos y estalinistas feroces incapaces de hacer la mínima autocrítica, complacientes con sus caudillos y faltos de imaginación para enfrentar al contrincante. La derecha es lo que Nicanor expresa socarrón: corrupción sustentable. Ese algo que llevan bajo el brazo quienes cambian de partido y de consignas como si fuera un recurso natural no renovable: corrupción. Un bien nacional que nos hace mucho mal.

José Emilio Pacheco. Setenta años

Nuestro gran erudito y polígrafo, que encarna la tradición de Sor Juan Inés de la Cruz,  Carlos de Sigüenza y Góngora, Alfonso Reyes, Salvador Novo, Octavio Paz, Rubén Bonifaz Nuño, José Revueltas, Eduardo Lizalde, por mencionar algunos nombres, es reconocido con el Premio Reina Sofía a las letras este año en que arriba a los 70 años de edad y el país le brinda una serie de homenajes. Lo mejor de México no son sus playas ni sus mariachis, ni su tequila ni sus economistas, es su cultura, y en particular sus escritores. José Emilio es la prueba.
PD:  Lo peor de México son sus políticos y las dos televisoras comerciales que embrutecen, no se diga sus telenovelas.

Evodio Escalante, Premio Ramón López Velarde, Jornadas Lopezvelardeanas en Zacatecas.

Uno de los críticos más notables en México es sin duda Evodio Escalante. Fiel a su principio ejerce la pluma sin rubores y sin miramientos. A veces, como sucedió recientemente con nuestro querido amigo, el poeta Javier Sicilia, afecta nuestras emociones y simpatías por los destinatarios de sus ejercicios críticos. Pero uno sabe que su oficio no admite concesiones, aunque pueda estar equivocado, porque alguna vez el propio Evodio reconoció que no hay escritor más solitario que el crítico. A veces admirado, pero casi siempre temido y odiado. Escalante al menos es respetado y, claro, querido por quienes somos sus amigos. Por eso celebramos ese reconocimiento propulsado por el zacatecano José de Jesús Sampedro.

Alí Chumacero, la salud, salud

Alí es un joven de 91 años, poeta sin prisas y sin pausas. La diabetes le anda haciendo bromas pesadas. Pero sabemos que está convaleciendo. Sus lectores y amigos, en honor de esos tragos prohibidos alzamos la copa y le decimos, querido Alí, te recordamos siempre, por ello te decimos, salud, mucha salud.

Marco Antonio Campos en La Otra.

(texto leído en Zacatecas y en la presentación en la Casa del poeta “Ramón López Velarde, Ciudad de México, de este número tres de La Otra dedicado en parte a Campos)

Aunque La Otra es aún joven como para saber de las juventudes de los otros, La Otra celebra con gratitud las aportaciones de los demás. Uno de esos otros es Marco Antonio Campos, viejo y novedoso actor cultural en la escena nacional e internacional, poeta, cronista, traductor, entrevistador, ensayista, narrador y por si fuera poco viajero irredento. En mayor o en menor medida estamos en deuda con Marco Antonio Campos por su vocación promotora y divulgadora, organizativa a favor de la literatura no sólo mexicana ni iberoamericana, sino universal. Son pocos los reconocimientos que ha tenido este personaje tan empeñado en hacer de los otros su propia reflexión, aunque también haya quienes son depositarios de su más alta animadversión, a los cuales, hay que reconocerlo, les es fiel. En Marco la gratitud no se exige, pero se espera.
    Cuando El Equilibrista publicó la trilogía de Francisco Hernández, él me confesaba en una entrevista que su poema sobre George Trackl se lo debía a Marco Antonio Campos, a quien yo sólo conocía por sus escritos en el Unomásuno y por algunos de sus poemas. Además de haberlo visitado una ocasión en sus oficinas del Periódico de Poesía, pues yo trabajaba en una de las revistas de CONACYT, que se hallaba ubicado donde ahora es el edificio de Universum, allí en CU. Esa ocasión fue imposible establecerme en su memoria, pues carezco de la virtud de la fijación. Mi timidez entonces contrastaba con su estruendosa extroversión y una charla estridente o estridentista, con Evodio Escalante, a quien yo había acompañado. Cada chispazo de sarcasmo, imposible de comprender para un testigo ajeno al mundo de ellos, era celebrado por Marco Antonio, el Pollo Campos, con golpes de puño sobre la palma de su mano.
    Esa fue la primera vez que lo conocí de forma anónima. La segunda ocasión fue en una librería y cafetería, donde ahora el principio parece ser, si busca un libro, no pregunte, mejor búsquelo usted mismo. Acababa de regresar de una larga estancia en Austria. Allí sólo atestigüé su crónica de viaje. No recuerdo ahora cuando en realidad comenzó la amistad entre Marco y yo. Tal vez no tuvo principio y por lo mismo espero que no tenga final.
    Los diálogos con Marco han fluido como canicas de agua, es decir de vidrio: locas y certeras, alegres y sonantes. Nos une la irreverencia y la fidelidad a los amigos, una idea amplia y precisa de la dignidad y la justicia, pero sobre todo un culto por la gratitud. La belleza de Colombia y la inteligencia de los cuerpos de las colombianas, que suelen ser, como bien lo confirma nuestro común amigo Juan Manuel Roca, cuerpos muy talentosos. Nos une con ese país un mismo sentimiento de admiración y perplejidad por la semejanza con el nuestro, saben y gustan bailar y cantar sobre el entarimado de la tragedia. El vallenato es para Marco la versión caribe del tango. Con Marco el humor define a nuestros amigos comunes, tan afanosos como antisolemnes. Esta mesa (estaban Juan Gelman, Hugo Gutiérrez Vega, Héctor Carreto, y Juan Domingo Argüelles que había mandado un texto) es un ejemplo de esos afectos admiraciones compartidas.
     Pero en el fondo, Campos es un discípulo del romanticismo, un convencido de que  no hay obra sin biografía y su apuesta es por naturaleza trascendente. Solitario rema bajo el temporal y no se afilia a grupos, logias, cofradías, tribus, hace de su individualidad una estrategia colectiva. No ha pasado más de un par de meses que una amiga poeta me decía: “Cómo ha crecido la obra poética de Marco Antonio Campos.”
Quedé en silencio, extrañado ante el comentario y luego me pregunté a solas: “Una obra escrita en el pasado ¿crece o comienza a ser leída?” Es paradójica esa ignorancia del poeta y su obra en un promotor cultural y literario como Campos. Pero es comprensible cuando la vocación del organizador y orquestador es cederle el escenario a los demás actores y hablar de ellos y sus obras, sin la falsa modestia de quien sabe que su trabajo literario se cocina aparte. ¿Habrá otros escritores que además de promoverse y cultivarse a sí mismos revelen y enseñen la importancia del Marco Antonio autor?
    La obra poética de Campos se entrevera con su insaciable capacidad lectora y revisora de sus maestros, de sus referentes literarios, locales y universales: Ramón López Velarde, Manuel José Othón, Tablada, Octavio Paz, Juan Gelman, Alí Chumacero, Hugo Gutiérrez Vega, Eduardo Lizalde y  ese alter ego de Marco, Rubén Bonifaz Nuño. En otro extremo más cercano a él están Francisco Cervantes y Francisco Hernández.
    Desde sus primeros versos, escritos a fines de los años sesenta y publicados en 1970, el poeta Campos da la nota en ese tenor de lo que sentencia Ernesto Mejía Sánchez, 1978, en el prólogo de uno sus primero libros: “MAC es un poeta –ya es bastante–; pero también un poeta culto, lo que es más peligroso y menos poético, según algunos asnos con letras, que lo quisieran intonso, zafio, y tocando toda lira por casualidad (…) Este muchacho quiere sufrir y lo conseguirá. No hay remedio contra esas cosas; es la inminencia de la catástrofe.”
    Marco es un poeta mexicano consciente de que no hay más lucidez de la identidad y de la pertenencia que valorando el ancho mundo. Su poesía es un tránsito perpetuo, un canto de nostalgia por lo que fue o por lo que pudo ser, una declaración desde la infancia para saber que no hay más patria que el poema, más hogar que la palabra. Es cierto, ahora lo confieso, la poesía de Marco Antonio Campos se hace visible, se advierte con claridad entre la jungla de las letras, sus aportes a la cultura mexicana también, porque esos sí crecen con el tiempo.

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EVODIO ESCALANTE: PREMIO IBEROAMERICANO RAMÓN LÓPEZ VELARDE

Marco Antonio Campos

Evodio Escalante

Pronto, sin embargo, nos sorprendió en 1979 con un libro penetrante Una literatura del lado moridor, uno de los primeros estudios que colocaba en su sitial a José Revueltas, un autor que era mucho más venerado que leído, y menos, que estudiado. Tengo la sospecha de que los estudios filosóficos de Evodio, sobre todo de Hegel, provinieron del estímulo revueltiano. Después vinieron nuevos libros de ensayos, entre otros, Tercero en discordia, La intervención literaria, Las metáforas de la crítica, para mí su mejor libro, Elevación y caída del estridentismo, y su investigación minuciosa sobre José Gorostiza (Entre la redención y la catástrofe).
   Me parece que tres líneas de autores fueron ayudando a  Evodio a la profundidad reflexiva y a la formación de su estilo que caracteriza ante todo a sus ensayos. La primera, la filosófica, representada por Hegel y Heidegger; otra, la de los grandes ensayistas latinoamericanos creativos como Reyes, Borges y Paz, y por último, la de los autores canónigos del estructuralismo, entre otros, Roland Barthes, Jacques Derrida, Michel Foucault o Julia Kristeva. En honor de Evodio, en sus páginas no se nota más que incidentalmente el aparato crítico, a veces críptico, de estos teóricos que tanto han influido en la academia universitaria.
   Los rasgos característicos de los ensayos y las notas críticas de Evodio, me parece, son cuatro: una prosa ágil, lucidez, equilibrio en el juicio y -algo muy raro en nuestro medio- probidad intelectual. 
   
Su trabajo crítico se ha centrado ante todo en la poesía y la literatura mexicanas, y puedo decir que es tan bueno en el análisis de la poesía y de la narrativa como  en el del ensayo mismo. Siempre que lo leo encuentro en sus escritos una singular manera de interpretar al adentrarse en las corrientes literarias, en los autores, en los libros  y en los hechos de la vida literaria mexicana, que no deja de asombrarme y deslumbrarme, como algunos que ha escrito sobre José Revueltas, Octavio Paz, los Estridentistas, el grupo de los Contemporáneos y, por supuesto, Ramón López Velarde. Lejos de haberse anquilosado, sus ensayos son cada día más hondos y su prosa más ágil.
  
Espléndidos críticos como Xavier Villaurrutia, Alí Chumacero, Ramón Xirau y José Emilio Pacheco, buscaron en sus trabajos exaltar o elogiar en especial lo que les gustaba, entusiasmaba o apasionaba; desde muy joven Evodio Escalante, como Emmanuel Carballo, decidió andar el camino accidentado, diría espinoso, es decir, que el crítico fuera el tercero en discordia, el “aguafiestas”, el que debía decir su verdad en sus juicios y opiniones más allá de querer hacer una carrera literaria o de perder amigos, y lo ha cumplido. Ha sido un polemista de fuego. En lo contencioso es inigualable.  Nada más ajeno a los halagos del canto de las sirenas del establishment cultural que Evodio. Uno sabe que en el medio literario poetas o narradores excelentes se creen gigantes, los buenos se creen excelentes, y los malos se creen buenos. Alguna vez me dijo José Emilio Pacheco que a veces el analizado se ofendía menos por ser criticado que por ser insuficientemente elogiado; la experiencia me dice que en los dos casos se da por igual. Ante eso Evodio no ha tenido ninguna complacencia ni ha caído en ninguna estafa o trampa. Se ha equivocado no pocas veces, pero no ha sido por interés o por ganar posiciones.
   
Uno de los dioses tutelares de Evodio Escalante, quién no lo sabe, es Ramón López Velarde, para él el mejor poeta mexicano que ha habido. Del poeta jerezano ha destacado su duradera novedad, es decir, una obra que se reinventa en cada generación y cada generación de críticos la reinventa. Como Borges, Paz y Neruda, el poeta jerezano fue un gran poeta en verso y un gran poeta en prosa, y así lo ha visto también Escalante, quien se siente especialmente fascinado por esos textos donde halla de RLV el “alborozo arrobado ante la presencia de la mujer” y en aquellos donde feminiza a la patria, como en su poema mayor, “La suave Patria”, que Evodio quisiera, como han querido y queremos muchos, que sea nuestro segundo himno nacional, y por complemento, el inolvidable texto en prosa “Novedad de la patria”, donde la dominante “voz de la nacionalidad” es avasalladoramente femenina. Me llama la atención que uno de sus textos preferidos sea “Las santas mujeres”, uno de los textos, quizá el más deliciosamente lúdico dentro de la tragedia, que López Velarde escribió a la muerte del pintor aguascalentense Saturnino Herrán. Evodio ha visto a López Velarde como provinciano y cosmopolita y asimismo  como un poeta que estuvo “a mitad del modernismo” (del que se siente distanciado) y de las vanguardias (que no tuvo tiempo de abrazar)”.
  
Hoy se entrega aquí en Jerez, en la tierra del poeta, el Premio Iberoamericano Ramón López Velarde. Para mí es una especial alegría. Se hace justicia a la par a la brillantez y a la disidencia literarias. Al ver ahora esto recuerdo aquella frase de André Gide que encarnaría muy bien la personalidad de Evodio: “Los rebeldes son la sal de la tierra”.

Marco Antonio Campos

Marco Antonio Campos (México, D. F., 1949)
Es poeta, narrador, ensayista y traductor. Ha publicado los libros de poesía Muertos y disfraces (1974), Una seña en la sepultura (1978), Monólogos (1985), La ceniza en la frente (1979), Los adioses del forastero (1996) y Viernes en Jerusalén (2005).
Ha traducido libros de Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, André Gide, Antonin Artaud, Roger Munier, Emile Nelligan, Gaston Miron, Gatien Lapointe, Umberto Saba, Vincenzo Cardarelli, Giuseppe Ungaretti, Salvatore Quasimodo, Georg Trakl, Reiner Kunze, Carlos Drummond de Andrade.
Ha obtenido los premios mexicanos Xavier Villaurrutia (1992) y Nezahualcóyotl (2005), y en España el Premio Casa de América (2005) por su libro Viernes en Jerusalén. En 2004 se le distinguió con la Medalla Presidencial Centenario de Pablo Neruda otorgada por el gobierno de Chile.

Juan Manuel Roca nació en Medellín, Colombia, en 1946. Es poeta, periodista, ensayista y desde hace dos décadas trabaja en la Casa de Poesía Silva de Bogotá. En 2004 recibió el Premio Nacional de Poesía del Ministerio de Cultura. Algunas de sus obras son Memoria del Agua (1973), Antología Poética (1983), Pavana con el diablo  (1990), Los cinco entierros de Pessoa (2001) y Esa maldita costumbre de morir (2003.

Hace pocos días ganó el IX Premio de Casa de América de Poesía Americana (Madrid) con el libro Biblia de pobres o Biblia pauperum, del cual son estos poemas.

Juan Manuel Roca. Foto de José Angel Leyva

 

Jaime Echeverri: Foto de JAL

Enrique Hernández-D’Jesús
LA COMPOSTURA DEL GUSTO

Al gusto le disgusta comportarse a sí mismo, le disgusta gustarse a sí mismo. Se gusta su sentido corporal. Provoca el destierro, la penitencia. El gusto preservado del gusto. Le gusta tanto que gustarse es otra de sus razones. Me gusta tanto lo que me gusta, que gusta de mi. El gusto furioso y lloroso gusta encaminado a las visiones del gusto. Gusto de visión. O la visión del gusto gusta la visual. Gusto para todos los gustos. Percibimos el sabor. El gusto percibe el sabor inunda la felicidad y la desventura, las formas animales del gusto. Gusto mudo, gusto del alma. A la llegada de la noche, el gusto se conduce con raros atavíos, con máscaras de bajas intenciones. El gusto, con altas intenciones, abre la hoguera, enciende los sabores. Gusta del sabor el gusto, alojando con su aroma el vuelo cierto del azar. El azar y el gusto son la necesidad. Necesidad de la vegetación embestida. Del gusto silvestre conciliado. Gusto que me estás gustando y estás acabando con mi corazón.
El placer del gusto se deleita con pasión, la pasión se deleita con el gusto, y entre gusto y gusto se acaba la vida. La belleza se cocina al gusto. Se prepara con delicada de mango, con nueces y avellanas, con frutas de mar y galletas gustosas. Engustado sale el antojo con el gusto. Bailan, se envuelven en la diversión. Gusto envuelto en hojas de flores blancas. Gusto de la conciencia, gusto del remordimiento, gusto de la sangre. Gustare, oh, oh, oh, Gustare oh, oh, oh, azul pintado dei blu. Es gustare gustare gustare, y un cielo y hasta el mar. Y el gusto y el gusto y el gusto gustare.

EL GUSTO APETECIBLE

El gusto se deja excitar. Rompe la cáscara de los sentidos. Desea lo sabroso, las modificaciones de los sabores. Los sabores con sus propios elementos. Los delicados manjares arduos. Arduo es el cordero, los lechones lechales sazonados con nuez moscada. La lengua de ternera con punta áspera. Los menudillos de gallina a la menta. Ardua es la perdiz, el pato adobado, las lentejas pecaminosas.
El gusto se excita con el lebranche, con el foie-gras de Toulouse. Se enamora del fondue. Un italiano se gustaría con las berenjenas rellenas de la mamma. Un argentino con la carne asada de su madre. Un catalán con el bacalao al ajo enamorado.
Hay gusto para todos los gustos.

EXALTADO ESPÍRITU EN LA NOCHE DEL GUSTO

El gusto sale por la noche. Decide cenar suave, es delicado el gusto, dócil. Decide encontrarse con platos atrevidos, platos eróticos. Suaves, pero eróticos, o en el decir del gusto gustosos y eróticos. Primero se toma una crema de menta. Dos dedos de menta, dos dedos que le muerdan la envidia al gusto. Cinco minutos después, toma por el cuello a la amada y le dice que ella es la crema de menta, le susurra al oído, le calienta el oído con suspiros, con palabras extrañas, y le sigue diciendo que su cuello es la crema de menta y su cuerpo es la noche y ella es el gusto.

EL GUSTO EN LA DUDA EN LA CONFUSIÓN

Corre el tiempo limitado. Sigue la corriente el espacio total, su historia romántica, el misterio de la presencia de los ángeles. Duda, mientras puede dudar duda. El gusto es el observador. Gusto observado.

LA MIRADA DEL GUSTO

El Gusto sabanea hasta el fin deseado. Se las echa de gallo fino, se las echa de gallina en camorra. Y su eterna bestia lleva guindando por implacable terquedad el manejo del cinismo, el manejo de la lidia del fruto. La vanidad goza de mucho prestigio, la soberbia es la mujer que hace dulces. La mirada del gusto gusta mirarse. Es peligrosa su mirada cuando cruza el fuego con los pies descalzos.
No hace falta escuchar que:
-la mirada no se desorienta de puro gusto-.

EL OLLO MÁGICO EL GUSTO GUSTOSO

De no ser así se sentiría como un tonto. Guarda en el saco, en el ollo mágico un pavo real. Se pierde y se encuentra nuevamente. Cómo saber lo que siente el gusto. Por instinto sabe lo que le gusta. El gusto hace el amor.
La sensualidad bajo el agua, bajo el antifaz. Gusto deseable. Se encaja en el ambiente sensible del ser humano.
Se describe en los sentidos y en la exaltación de los sabores. Gusto encadenado a la conciencia, en el mínimo lugar de la eterna y breve ilusión.

SENTIMENTAL SENTIDO

Decidido a continuar la ventura y desventura el Gusto abre el ámbito sentimental. En su curiosa residencia ofrece al deseo el milagro de los sentidos.
Es obvio que para entender los matices del gusto, hay que conocer de una estética, rodearse hacia el exterior de la sensibilidad en la voz sublime del tacto, en la vendimia tierna del oído. El impudor de la vista habla atravesado de esta raza misteriosa, de esta pasión de comer belleza adicional y se prolonga en la angustia de las sensaciones. El Gusto sentimental sentido.

ARROZ BLANCO CON LENGUA DE MUDA

En la acera de enfrente de mi edificio cuatro mudas se miran a los ojos. Suena la alarma de un carro estrepitosamente. Las mudas gesticulan y se hacen gestos. Se cuentan todas las historias que les han ocurrido en los últimos días. Las mudas alegres, felices de poder contarse sus cuentos. La más jovencita de todas manifiesta que había ido al cine con un amigo, y al final el muchacho trato de besarla. Y la muda se negó. Se negaba la muda o se negaba la mudez. Ella rechazó ese beso, pero les contaba a sus amigas que deseaba mucho que la hubiesen besado, estaba enloquecida, suspiraba por el beso, el beso del deseo, muchas veces fantaseado en las meditaciones que hacía en su cuarto sola. Ella sola con su melancolía de ser muda, con su tristeza de no poder ser como el resto de los seres. Pero en el fondo era más feliz que nadie, no se encontraba en el límite de la realidad, su realidad era más silenciosa, era más privada, era muda que mudaba sus encantamientos para esos momentos sagrados de intimidad. Y siendo la muda íntima, las otras mudas eran iguales. Mudas iguales y por lo tanto mudas.
Yo las observaba desde la ventana de mi balcón, yo las observaba con malicia y algo de picardía, quería hacerles el amor a las mudas, invitarlas a una pequeña comilona. Mudas y todo, pero comidas. Y prepararlas con unos platos deliciosos, con pavo relleno de pavitas enanas, langosta en salsa de almejas con trufas blancas, lengüitas de bufalitas rellenas de funghi porcini y pasitas de Corinto. Arroz en todas las formas, arroz para las mudas, arroz para la muda. Pero a mí me gustaba mi muda. Yo quería comerme mi muda, comérmela, no era otra vaina sino comérmela, cortarla en trozos, y como no puede gritar, que gima, que gima hasta enloquecer a los vecinos. Una muda que gime, es una muda gimiendo. Otros pedazos de la muda a la braza. Eso si les digo muda a la braza es algo exquisito. Se dice que a Juan XXIII le gustaba el caldo de muda. Lo comía todos los días en los veranos que pasaba en Castel Gandolfo. Por eso la sonrisa de Juan XXIII. Pero A Mí me gusta más la lengua de muda con arroz blanco. Y todos los sábados me preparo mi caldo de muda.

ENRIQUE HERNANDEZ-D’JESUS
Poeta, fotógrafo y editor

Enrique Hernández

Ha publicado:
MUERTO DE RISA, Poesía, Monte Ávila Editores, Caracas-Venezuela, 1968.
MI ABUELO PRIMAVERAL Y SUDOROSO, Poesía 1974.
ASÍ SEA UNO DE AQUÍ, Poesía, Monte Ávila Editores, Caracas-Venezuela, l976.
LOS ÚLTIMOS FABULADORES, Entrevistas y fotografías, Roma-Italia, 1977.
MI SAGRADA FAMILIA, Poesía, Ediciones ULA, Mérida-Venezuela, l978.
SIAMO NELLE BAMBOLE, Poesía y Fotografías, IL Fotogramma, Roma-Italia, 1980.
MI ABUELO VOLVIÓ DEL FUEGO, Poesía, Editorial La Draga y el Dragón, 1980.
LA MÁSCARA, Poesía,Editorial La Draga y el Dragón, 1980.
EL CIRCO, Poesía y Fotografías, Editorial La Draga y el Dragón, 1986.
RETRATO EN FAMILIA, Antología de Poesía, Monte Ávila Editores,
Caracas-Venezuela 1988.
LOS POEMAS DE VENUS GARCÍA, Poesía y fotografías, Editorial Binev, l988.
RECURSO DEL HUÉSPED, Poesía, Fundarte, Caracas-Venezuela, 1988.
MAGICISMOS, Poesía con dibujos de Marius Sznajderman, Tierra de Gracia Editores, Caracas-Venezuela, l989.
LA SEMEJANZA TRANSFIGURADA, 94 fotografías intervenidas por Vicente Gerbasi
Monte Avila-Fundarte, Caracas-Venezuela, 1996.
LA TENTACIÓN DE LA CARNE, Arte Dos Gráfico-Andrés Carne de Res,
Bogotá-Colombia 1997.
GERBASI DEL TRAZO Y LA PALABRA, Fotografías, Fundación Esta Tierra de Gracia / Fundación Chacao, Caracas-Venezuela, 1999.
LA DÍFICIL CLARIDAD, Poesía
Fundación Esta Tierra de Gracia, Caracas-Venezuela, 1999.
EL AMOR Y LA PALABRA, Libro de fotografías
Alcaldía Mayor de Bogotá – Fundación Casa de Poesía Silva, Bogotá-Colombia, 2000.
LOS POEMAS DE VENUS GARCÍA, Poesía, 2da. Edición. El Árbol Editores, San Cristóbal-Venezuela, 2001.
CAJAS NEGRAS, Objetos y  poesía, Ediciones Arte Dos Gráfico, Bogotá-Colombia, 2003.
EL TIGRE INVISIBLE, Poesía, Ediciones Arte Dos Gráfico – Fundación Esta Tierra de Gracia, Bogotá Colombia, 2005.
VESTUARIO, poesía, Ediciones Poesía,Valencia 2006.
LOS POEMAS DE VENUS GARCÍA / RECURSO DEL HUÉSPED, poesía, Monte Ávila Latinoamericana, Caracas 2006.
PIEL DE GACELA, poesía, Smeredevo’s Poet Autumn. Traducción al Serbio: Radivoje Konstantinoviç. Smeredevo’s Serbia, 2007
LA SAGRADA FAMILIA, poesía, antología 1968 / 2000. Poesía Venezolana, Colección Contemporáneos. Editorial El perro y la rana. Caracas, 2007

Exposiciones e Instalaciones Individuales:
LA TIERRA Y SUS FORMAS MÁGICAS, Mérida – Venezuela, l978.
SIAMO NELLE BAMBOLE, Galería IL Fotogramma, Roma – Italia, l980.
ESTAMOS EN LOS MUÑECOS, Roma – Italia, 1980.
50 BOLÍVARES, Puerto Rico, 1983.
FOTOGRAFÍAS, Mérida – Venezuela, 1987.
EL OJO QUE NOS ADIVINA, Mérida – Venezuela, 1987.
EGO, Caracas – Venezuela, l987.
TRES FOTÓGRAFOS DE HOY, Museo de Bellas Artes, Caracas – Venezuela 1990.
30 POETAS VENEZOLANOS, décima exposición anual de la fotografía documental 1989, Biblioteca Nacional, Caracas, Venezuela, 1990
SECRETA UNIDAD, Exposición de Cajas–frascos–fotografías
Caracas–Venezuela, 1991.
FOTOGRAFÍA LATINOAMERICANA, Tendencias actuales
Universidad Hispanoamericana Santa María de la Rabida, Huelva-España, 1991.
EL POETA VÍCTOR VALERA MORA, Fotografías, Caracas-Venezuela, 1992.
LA PRIMAVERA DEL GUST 7ª PRIMAVERA FOTOGRÁFICA DE CATALUNYA, Sala Gespa, Barcelona-España, 1994.
FOTO MENÚ A LA CARTA, 7ª PRIMAVERA FOTOGRÁFICA DE CATALUNYA, Espai Fotogràfic Maple Syrup, Barcelona-España 1994.
INSTA-LACIÓ DE POTS FOTOGRÀFICS, DEGUSTACIÓ DE POEMAS I FRUITS DE MAR, 7ena PRIMAVERA FOTOGRÁFICA DE CATALUNYA
Restaurant El Navegant, Barcelona-España, 1994.
LA SEMEJANZA TRANSFIGURADA 94 Fotografías intervenidas por Vicente Gerbasi, Biblioteca Nacional, Caracas-Venezuela, 1995.
30 POETAS LATINOAMERICANOS VII Gathering of Contemporany Latin American Writers and Visual Artist in Providence, Rhode Island, 1996.
TALLER GASTRONÓMICO VISIVO DEL ANIMAL DE LA CURVA DEL MUNDO V Coloquio Latino-Americano de Fotografía, El Hijo del Cuervo, México 1996.
OCULTO Y MANIFIESTO Collage-mural (fotografía Contemporánea Venezolana) Fotoseptiembre, Centro de la Imagen, V Coloquio Latinoamericano de Fotografía,
México 1996.
TALLER GASTRONÓMICO VISIVO DEL ANIMAL DE LA CURVA DEL MUNDO X Feria Internacional del libro, Salón Eduardo Carranza, Bogotá-Colombia, 1997.
ESCRITORES MEXICANOS Feria Internacional del Libro, Caracas-Venezuela, 1998.
MUESTRA FOTOGRAFÍCA EN TELA DEL POETA VICENTE GERBASI Jornadas Iberoamericanas por la Integración y la Paz, Sala Verde del Convenio Andrés Bello, Bogotá-Colombia, 1998.
IMAGEN Y PALABRA 57 fotografías de poetas latinoamericanos, VII Encuentro Internacional de Escritores, Biblioteca Nacional, Bogotá-Colombia, 1998.
PERFORMANCE FOTOGRÁFICO-GASTRONÓMICO, en homenaje a las escritores participantes VII Encuentro Internacional de Bogotá-Colombia, Restaurante La Tentación de las Carnes.
LA KINKAYA LITERARIA, Instalación de 777 botellas con fotografías de escritores, Feria Internacional del libro, Caracas-Venezuela, 1998.
BORGES A SU GUSTO, instalación fotográfica, Restaurante Kandidos’s,
Caracas-Venezuela, 1999.
LA KINKAYA LITERARIA, Feria Internacional del libro universitario,
Mérida-Venezuela, 2000.
PRESENCIA ESCRITORES COLOMBIANOS, Teatro Municipal Jorge Eliecer Gaitán, Bogotá-Colombia, 2000.
IMAGEN Y PALABRA, otros poetas, homenaje a Jorge Edwards, Premio Cervantes, Fundación Santillana, Encuentro Iberoamericano de Escritores, Bogotá-Colombia 2000.
EL RELÁMPAGO DEL OJO PODEROSO, Galería Espace Futur Alianza Francesa, Maracaibo-Venezuela, 2000.
LA KINCAYA LITERARIA, Exposición de cajas homenaje a Juan Sánchez Peláez, Rafael Cadenas, Ramón Palomares, Victoria De Stefano, Eugenio Montejo, Salvador Garmendia, Caupolicán Ovalles, Feria Internacional del Libro Universitario Bienal Mariano Picón Salas, Mérida-Venezuela, 2001.
ANIMAL DE COSTUMBRE, Exposición de cajas poéticas, IX Semana Internacional de la Poesía dedicada  a Juan Sánchez Peláez, 2001, Sala RG, CELARG, Caracas-Venezuela
CAJAS NEGRAS Instalación cajas poéticas, Galeria Sextante, Arte Dos Gráfico, Bogotá-Colombia, 2003
CAJAS NEGRAS Instalación cajas poéticas, Galeria de Arte Nacional, Caracas, 2003
BOLÍVAR FÁBULA DE LOS FABULADORES 50 Fotografías, Instalación fotografica PDVSA, Caracas, La Campiña,  Julio 2003
PDVSA INTEVEP, Los Teques, Septiembre 2003
IMAGEN Y PALABRA 21 METROS DE POETAS, 600 imágenes de poetas del mundo. XV Festival Internacional de Poesía de Medellín, Cámara de Comercio de Medellín, 2005.
IMAGEN Y PALABRA 21 METROS DE POETAS, 600 imágenes de poetas del mundo. Centro Venezolano de Cultura, Bogotá 2006.
EL GRAN MAGMA, Homenaje a Carlos Contramaestre. 2da. Bienal Nacional de Literatura “Ramón Palomares”. Salón de Exposiciones Biblioteca Pública “Mario Briceño Iragorry”, Trujillo, 2005.
POETAS POETAS POETAS, 50 retratos de poetas venezolanos, Siete metros y medio de poetas. En el marco del Encuentro de la Red de Redes en Defensa de la Humanidad. Museo Anzóategui. Barcelona, 2006.
EL OJO D’JESÚS, 200 poetas del mundo con escrituras. 30 Metros de poetas. Instalación Oficio Puro. El Taller del Señor Barroco. Museo de Bellas Artes, sala 2, Caracas 2006
49 RETRATOS Y ESCRITURAS DE POETAS DEL MUNDO
Smeredevo’s Serbia, 2007
MORADA AL SUR, 113 poetas Venezolanos y Colombianos. XVII Festival de Poesía de Bogotá. Centro Venezolano de Cultura, Bogotá 2009.
POETAS DE LA REBELIÓN, 113 poetas del mundo. Galería Pedro Báez. Escuela de artes plásticas Armando Reverón. Barcelona Anzoátegui, 2009

Ha obtenido diversos premios de literatura, fotografía y diseño. A fin de milenio obtuvo el Premio Armando Reverón del Salón Michelena.
En el año 2007 fue Honenajeado y Condecorado en el VI Encuentro Internacional Poesía Universidad de Carabobo.
Actualmente vive en Caracas, en donde se desempeña como Director Literario de la Fundación Esta Tierra de Gracia.
Trabaja en el Ministerio del Poder popular para las Relaciones Exteriores, como Coordinador de Cultura en el Despacho de América del Norte.

LITERATURA POETAS CANARIOS EN BUENOS AIRES, DE JUAN CARLOS DE SANCHO
Entrevista: Facundo Gari

Presentación de la antología en la Feria del Libro en las Islas Canarias

“Somos una cultura muy permeable”

El escritor y dibujante español compiló en una antología el trabajo de treinta autores de las Islas Canarias y viajó a Buenos Aires para regalarlo. “Estamos fabricando un nuevo planeta literario, ideológico, filosófico y humano”, asegura.

Juan Carlos de Sancho en Buenos Aires

De Sancho le mandó un correo electrónico al editor argentino Hernán Isnardi, creador y director de la revista virtual La máquina del tiempo (www.lamaquinadeltiempo.com) y le propuso participar en la empresa. Casualmente –providencialmente, según insinúan ellos durante el encuentro con Página/12–, Isnardi andaba queriendo lanzar su casa editorial, así que la oferta le vino como anillo al dedo. “Inmediatamente conectamos. No fueron las miradas, porque en el caso de Internet es imposible, pero sí las palabras, algunos adjetivos. Sucedió lo que (el escritor Carlos) Castañeda llamaba ‘momentos memorables’, ésos en los que algo fuera de tu voluntad te cambia la vida, te moviliza”, afirma el español. A partir de entonces, fue manos al teclado: una vez realizada la selección de los nombres que poblarían las 180 páginas del libro, los socios realizaron la edición de manera conjunta, vía mail, separados por el espacio y el tiempo, unidos por coordenadas de otro orden. “Es fantástico que los canarios entremos en La Máquina del Tiempo. Estamos fabricando un nuevo planeta literario, ideológico, filosófico y humano”, sella De Sancho.

–¿Por qué es necesario universalizar la cultura?

“Porque el mundo es mi barrio. Es lo mismo que lean mis libros en España, México o adonde sea”, arranca Isnardi. “‘Universalizar’ es un concepto cualitativo, no cuantitativo, como la globalización, que pretende homogeneizar”, lo pisa Juan Carlos. Y continúa: “Se trata de vincular. El escritor francés Eduard Glissant dice que le dan miedo aquellas culturas que buscan una identidad atávica, no rizoma, que es la que él propone”. Por eso, Poetas canarios… no es una mera antología, sino una reunión de existencias. “Hay que cambiar el concepto de identidad por el de existencia. Yo sé que la abuela de Hernán le hacía una queque (un bizcocho) con avellanas y eso es lo típico de aquí, allá no existe. Pero es claro que el cariño de su abuela era igual que el de la mía”, compara el español.

–¿Qué criterios emplearon durante la selección de los poetas?

Juan Carlos de Sancho: –Fue terrible. Fui a tiro hecho con diez que me gustaban. A esos diez les pedí que me dijeran sus autores favoritos, que también aparecen en el prólogo, para que el lector sepa cuál es la influencia en Canarias. Y le pedí a cada uno que me hicieran una recomendación de los tres poetas que ellos consideraban que podían entrar. Amén de ello, el criterio de selección fue la calidad, un salto cualitativo de la poesía esteticista, que no cuenta nada, a una poesía abierta al pensamiento, a la filosofía y al análisis de la realidad. En un momento hubo un culto excesivo a la palabra, pero sin decir nada. Y me aburría.

–¿Y por qué una “reunión de existencias” en lugar de publicar a un autor, quizás una obra enteramente suya

J.C.D.S.: –Porque así se rompe con el círculo del autobombo, del ego excesivo que tienen los poetas, que a veces se tiran a matar. Parecemos todos buenos, pero en el fondo hay poco cariño mutuo. Esto crea una corriente de simpatía. ¡Hombre, yo no soy una ONG! Pero sí creo en el héroe en grupo, que es sano para la cultura. El perfume de este libro es la actitud de generosidad.

–¿Qué particularidades comparten los poemas que conforman el libro?

J.C.D.S.: –Ninguno se parece a ninguno, porque cada isla es una cultura. Tenemos una red por ser canarios, pero es un pueblo mestizo, una mescolanza muy grande. En ese sentido, somos una cultura permeable. Allí vivieron dos poetas fantásticos que son Alonso Quesada y Tomás Morales. Morales era isleño, pero si hubiera sido continental, lo hubieran puesto al nivel de Rubén Darío. El era toda la mitología marina y Alonso Quesada, que era su primo, era más intimista. Y los dos pertenecen a una misma generación. Y eso continúa en Canarias. Somos islas en la isla. Y de vez en cuando, nos conectamos. Estos poemas tienen una profundidad humana que me llamó la atención: no se contactan entre sí, pero al mismo tiempo están elaborando una obra generacional, no individual.

Financiado por el Cabildo de Gran Canaria, más el aporte de un programa de fomento de la producción fuera del archipiélago del Gobierno de Canarias, el libro está dividido en dos partes. En rigor, tres, si se toma el prefacio del propio curador: “Apuntamos a que haya una revalorización del prólogo, que ha ido en bajada. Se ha hecho mucho culto a la amistad”, critica Isnardi. En primer lugar, la recopilación de textos de Cecilia Domínguez, Daniela Martín Hidalgo, Bruno Mesa, Alicia Llarena, Paula Nogales, Sergio Domínguez-Jaén, Angela Ramos, Verónica García y Ricardo Hernández, entre tantos. Y luego, las “Notas subterráneas”, compendio en que los mismos escritores explican qué es la poesía. “Poesía es el idioma del corazón”, define Noel Olivares. “Alcanzar lo profundo y no quedarse en lo superficial”, propone Anelio Rodríguez Concepción.

–Hablan de nuevos actores en el campo cultural y artístico, ¿a qué se debe esa emergencia?

J.C.D.S.: –El mundo se acabó de aburrimiento. Te das cuenta de que están todos con el mando de la tele buscando algo de alegría para la mente, de programas profundos, que salen de madrugada en la televisión. Estamos aburridos de naderías. El gran desafío de la cultura actual es volver a una revolución humanista que se oponga a la homogeneización de las mentes propuesta por el poder económico y político. Nos aterrorizan con el dengue, con la fiebre porcina y no dan opciones a otras alternativas. Entonces, hay que crearlas. Y eso ya está pasando en distintos niveles en muchas culturas del mundo. Estamos viviendo un tiempo de interferencias, pero a río revuelto, ganancia de pescadores. Hay gente que está reaccionando desde sus hormigueros, lo que pasa es que hay que crear un tubito de conexión. Y esperar que no nos fumiguen…

* Quienes deseen solicitar un ejemplar de Poetas canarios en Buenos Aires deberán escribir a info@lamaquinadeltiempo.com.

Martes, 9 de Junio de 2009

Bolívar y el romanticismo

William Ospina

A FINALES DEL SIGLO DIECIOCHO los europeos estaban reinventando el mundo.
Voltaire había emprendido una lúcida y demoledora revisión de la historia de la cultura; los enciclopedistas arrojaban por todos los rincones la luz de la razón; Montesquieu proponía nuevas tareas para el Estado; Kant examinaba los mecanismos del entendimiento; Linneo descubría un método para percibir los órdenes de las especies; Rousseau proponía una nueva relación del hombre con la naturaleza y la posibilidad de una pedagogía que engrandeciera al ser humano y su misión en el mundo; Wilhelm de Humboldt descifraba los secretos del lenguaje, mientras su hermano Alexánder hacía del conocimiento una aventura física y de la vida un laboratorio apasionante.

Los revolucionarios franceses ponían la Libertad en el cielo de la historia, el ideal de la Igualdad en las calles, y hasta se mataban unos a otros luchando por la Fraternidad; los libros corrían de mano en mano; los adolescentes se volvían regicidas; las muchedumbres, que habían crecido arrulladas por los reyes de los cuentos de hadas, empezaban a ver en las coronas imposturas sangrientas; y el pálido Cristo sangrante que había unificado a Europa estaba siendo reemplazado en las almas por la diosa Razón.

Era la edad de la locura lúcida, de la cordura delirante, del equilibrio desmesurado, de “todo lo que existe merece perecer”, de “abramos los graneros del futuro”, de “derribemos las coronas con sus cabezas”; se nivelaba la sociedad con la guadaña; se empequeñecía a la aristocracia para engrandecer al pueblo; se devolvía la divinidad a la naturaleza.
Detrás de los filósofos, que interpretaban el mundo, venían los poetas, que lo reinventaban: Goethe, soñador de la locura fáustica que vende el alma por el conocimiento; Schiller, que incendiaba una nación con un poema; Blake, que veía “un mundo en un grano de arena y el cielo en una flor silvestre, el infinito en la palma de la mano y en una sola hora la eternidad”; Wordsworth, que hallaba bendiciones en la brisa y divinidad en el paisaje; Shelley, que ponía en toda palabra la música de la libertad; Keats, capaz de dar a lo más humilde un sentido inmortal; Novalis, que convertía la razón en belleza, la curiosidad en metáfora, la intuición en conjuro; Hölderlin, que vio desde los pozos de la desdicha las estrellas diáfanas del futuro.
 Sobre todo ese paisaje de ideas y de pasiones, de sueños y de delirios, se alzó Napoleón Bonaparte, que disparaba derechos a cañonazos, que pretendía imponer la legalidad con la punta de la espada, que usaba la corona para igualar a los hombres, y que dejó sobre el mundo un rastro ambiguo de sangre y de leyes.

Y esos fueron los hornos en los que se forjó Simón Bolívar: educado en la pedagogía de Rousseau, levantado en las ironías de Voltaire, formado en el panteísmo de Spinoza, deslumbrado en París por los relatos de Humboldt sobre Venezuela y la Nueva Granada, iniciado en los vértigos del Romanticismo viajando a pie por las cornisas de los Alpes, asomado a los vórtices de la Revolución Francesa, convertido en estadista por la lectura de Montesquieu y por las lecciones de la historia, estudioso de la estrategia militar napoleónica, y siempre con el alma dividida entre la adoración por el genio de Napoleón y el desprecio por su aventura imperial.

Hace dos siglos volvió Bolívar a Venezuela. Venía de los salones de París y de las gargantas de los Alpes, de las cabalgatas por los alrededores de Roma, de un continente que estaba siendo hollado y transformado por ejércitos adolescentes y por los sueños de una generación, y venía a encontrarse con los sueños, las agonías y la naturaleza de un mundo casi virgen. Volvía a un continente donde casi no había naciones sino fracciones de un territorio profanado y deprimido por las metrópolis, todavía desconocido por la ciencia e indescifrado por la conciencia; un mundo que sobre todo necesitaba creer en sí mismo. Y Bolívar fue, como dijo Paul Valery, “uno de los ejemplos más acabados de la voluntad humana organizada, cuando se alza para manejar los destinos de millones de hombres”.

Cuando regresaba, debió cruzarse con Byron por algún camino de Europa, sin saber que ambos iban hacia las guerras de la libertad, ebrios de pasión amorosa, de lujo y de poesía. Todo lo entregaron por sus sueños, y si Bolívar dijo alguna vez a su prima Fanny: “En las noches galantes del Magdalena he vuelto a ver la góndola de Byron deslizándose por los canales de Venecia”, Byron a su vez compró un barco, al tiempo que Shelley compraba otro, para navegar por la bahía de Spezia, y mientras Shelley ponía en la proa del suyo el nombre del genio musical de Shakespeare, Ariel, Byron puso en la proa de su barco el nombre que colmaba su ideal romántico: Bolívar.

Bertrand Russell escribió que el momento más alto del romanticismo europeo no fue un poema ni un lienzo ni una sinfonía sino la muerte de Byron en Missolonghi, luchando por la libertad de Grecia. Pero Byron murió soñando con Bolívar, que en ese mismo momento, cabalgando por los páramos de los Andes, se esforzaba por construir, en este mundo de selvas y de mitos entretejidos, la gran república Sudamericana.

William Ospina

William Ospina, Colombia 1954
Estudió derecho y Ciencias Políticas en Santiago de Cali, dedicándose después al periodismo y la publicidad, entre 1975 y 1990. A partir de entonces se dedicó a la escritura.
Es traductor, novelista y sobre todo ensayista y poeta. En general en su obra, aborda la problemática de su país con un gran compromiso político y social. Sus poemas tienen base histórica, con gran ritmo y amplio léxico, abundando en los monólogos dramáticos. Ha obtenido varios premios, destacando el Nacional de Literatura Colombiano en el año 2006 y el Rómulo Gallegos en 2009.

Repasando el círculo de Juan Manz
por Enrique Moya

Juan Manz

Para repasar el círculo de Juan Manz, se nos presenta como un itinerario cuasi coral, en el cual la diversidad de voces y las diversas estrategias escriturales que dan vida a esas voces, permiten acercarse a un universo poético rico en imágenes, metáforas y complejas construcciones verbales. Voces o máscaras que van generando nuevas aristas discursivas de acuerdo a los temas o las preocupaciones estéticas del autor en un momento determinado. El territorio poético de Para repasar el círculo es muy amplio y en él convergen diversas geografías y diversos caminos para acceder a ellas.

Juan Manz

1.
En primer lugar, En la poesía de Juan Manz el lenguaje y la metáfora ocupan un lugar primordial. Pues el problema entre hecho objetivo y hecho narrado no siempre es posible a través del simple lenguaje. Así que el poeta Manz elige la arquitectura de la metáfora para encontrar la palabra a expresar. Así, su metáfora es más que un diseño de imágenes, una propuesta de palabra, una propuesta de nuevo signo, una propuesta de exactitud, que aproxima y al mismo tiempo expande significados.
Por otra parte, Juan Manz es, por decirlo de algún modo, heredero de un lenguaje que no se habla con simples palabras, o de un lenguaje difícil articular con palabras y que él intenta con sus poemas traducir.
Si bien el mundo mítico yaqui y el habla ancestral han sido heredadas desde lo oral, el hecho de que ese conocimiento no se haya perdido del todo y que, además, tenga herederos incluso entre los no yaquis (como es el caso del poeta Manz) se explica a través de la cosmogonía creada no sólo a través de las palabras, sino a través de las construcciones metafóricas.
Muchos pueblos indígenas han prolongado su saber ancestral a través de la metáfora, de las construcciones metafóricas matizadas o ampliadas con nuevas adquisiciones fonéticas y/o verbales del idioma invasor (o nuevo idioma, en este caso el español). Este concienzudo trabajo de Juan Manz se nota en Padre Viejo, que es, como se sabe, la forma yaqui para referirse a su más allá, a su cielo particular. La metáfora, las formas míticas del lenguaje y el silencio, son partes fundamentales del poema. La metáfora como prolongación del silencio o, al menos, una de sus formas concretas; la metáfora en oposición a la carencia misma del idioma. Y, por otro lado, el mito y la realidad se funden, en la poesía de Juan Manz, para crear la posibilidad de otro espacio, de otra geografía donde quepan de modo natural y con toda propiedad, todo sentimiento y emoción que mueve al poeta Manz al escribir.
En la obra de Juan Manz la metáfora es el ars, el hilo rojo de la construcción escritural y vivencial.

2.
Otro aspecto que nos interesa de la poética de Juan Manz, es la otredad y el significado de los opuestos que ya aparece, por cierto, en la obra de Heráclito, y que el poeta Manz lo trabaja desde una óptica especular (o dicho de otro modo, desde la alteridad, desde el espejo).
Eso se puede observar, sobre todo, en los libros Contracareados y Tres veces espejo. En estos libros se puede percibir el diálogo de Manz con el Panta Rei heracliano, la síntesis poética del planteamiento de Heráclito que aparece en su Logos, sobre el significado de los opuestos y los mismos; es decir, lo que lo que el filósofo denomina: “camino hacia arriba los que lo ven desde abajo, y camino hacia abajo los que lo ven desde arriba”. “el camino abajo y arriba es uno y el mismo”. Con esto Heráclito nos afirma que los opuestos representan, al mismo tiempo, una unidad esencial. No una unidad inestable que fragmenta la realidad, sino una unidad conectada con la idea de rehacer el lenguaje, de construir formas distintas del yo personal y del yo narrador; del inconsciente, o yo, y la oralidad cotidiana (u oralidad exterior), o es decir, el otro. El libro Contracareados le entra a este difícil problema con gran habilidad.

3.
El tercer aspecto que nos interesa es la relación de la escritura de Juan Manz con el comportamiento de la geometría fractal. Hay cierta poesía que asemeja a las construcciones de la geometría fractal, y la de Juan Manz es una de ellas. Desde varios ángulos y motivos.
El principal de esos ángulos, es que la poesía de Juan Manz está ligada a las formas de la naturaleza; en este caso, a una naturaleza guiada desde el arbitrio de las palabras, desde el azar que dicta la imagen; desde los diversos modelos o experimentos entre adjetivo y sustantivo que Manz realiza para configurar la idea, esa metáfora que nos acerque al sentimiento de una observación, o de un sentimiento tomado desde la impresión que le causa al poeta una planta, el viento del desierto o el murmullo de de las aguas o el simple silencio.
Por su parte, la naturaleza misma, a través de la diversidad de objetos que la pueblan, es geométricamente fractal, porque no puede configurarse a través de los modelos de la geometría euclidiana que son construcciones concretas. Y los poemas de Manz no buscan el compromiso con una forma determinada, sino con la deconstrucción de las formas establecidas para ofrecer otras lecturas, o mejor dicho, para permitir otras posibles lecturas basadas en otras posibles formas.
Siendo así, la poesía de Juan Manz permite que sus poemas se reproduzcan en el lector y que vayan más allá de las palabras hasta el terreno impredecible y potencial de las imágenes, de la construcción fractal; de aquello que no es posible comprender sino a través del poema, del lenguaje del poeta con su forma de conectar lo irreal con lo real, o con su forma de conectar lo real que aún no tiene (y acaso nunca tendrá) palabra (o forma) que lo defina en la mente de un lector.

4.
El último aspecto que vale destacar del trabajo de Juan Manz tiene que ver con la música. Sus poemas están escritos siguiendo el principio de una construcción musical. Son textos cuyo sentido persigue la armonía y cierto contrapunto entre las diferentes ideas que integran un mismo poema o una colección de ellos haciendo contrapunto entre sí, como las distintas voces que conforman una ópera.
Es una poesía, además, atenta a la música del idioma, o de los idiomas, pues se nutre de otras sonoridades y musicalidades de las diversas lenguas (y matices de esas lenguas) de México, que de alguna manera son tonales, más que modales, en el sentido occidental del término.
Así, la poesía de Juan Manz remite de inmediato a dos procedimientos de la forma musical: lo tonal y modal. Lo tonal se manifiesta en su poesía como juego de los contrarios (que ya hemos visto en el Heráclito que aparece en sus libros Contracareados y Tres veces espejo); esto es, una proposición y su resolución, una fuerte tensión que luego se resuelve con una especie de coda literaria que reitera el aspecto lúdico y secreto de la construcción sonora de sus poemas.
Y en otros textos, se manifiesta lo modal; es decir, una tensión que se mantiene y que no busca un efecto de resolución, sino que la resolución es la tensión misma que se diluye por sí sola en la idea y ritmo del poema.
A modo de conclusión, estas son algunas de las posibles lecturas que ofrece una poesía rica en lenguaje, sugerencias lingüísticas, formas literarias e imágenes.
Hemos intentado tomar aquello ante lo que hemos sido sensibles. Por supuesto, una poesía con tantas preocupaciones, tantas estrategias discursivas y formales, es difícil presentarla sin que se nos quede algo afuera.
En todo caso sí hay que decir, que la poesía de Juan Manz, por su misma configuración, requiere de un lector entrenado. Es una poesía para ya iniciados, para personas que ya conocen los secretos…aunque haya, desde luego, versos de una transparencia y sencillez magnifica como éste de Parodia de agosto, que, con el permiso de su creador, Juan Manz,
voy a leer:

El espejo cepillaba sus dientes
al mismo tiempo que los míos
lavaba mi cara
y hasta sobrepuso una sonrisa
en mis labios
como una especie de indulto
Sólo cuando apagué la luz
me supe solo

Enrique Moya, Viena-Austria – Ciudad Obregón-México, noviembre de 2008

M A N U A L  D E  M I N E R Í A  F A N T Á S T I C A

Juan José Rodríguez

Juan José Rodríguez. Foto de JAL

(Fragmentos iniciales)

Las Tablas de la Ley

Manufacturadas con roca del Monte Sinaí y redactadas por el fuego divino de la mano celestial, las Tablas de la Ley se encuentra hoy en Abyssinia, robadas a Salomón por la Reina de Saba, y guardadas en Axum, donde han sido descubiertos los restos de su palacio,  confirmando así la tradición bíblica. Los abisinios sostienen que dichas tablas fueron entregadas por Salomón a la reina Belkis al recibir de los profetas la confirmación de que su reino sería, inexorablemente, dividido a su muerte, a pesar de sus súplicas a Yahvé.
 Las tablas son custodiadas por un monje de la Iglesia Ortodoxa, que vive entre irrepetibles textos sagrados.  Guardias armados – algunos de ellos fueron de  la guardia personal del Emperador Haile Selassie, El Negus-, vigilan las afueras del sitio. El monje, él  y solo él, conoce la forma, consistencia y estado de conservación de las tablas. Recordemos que la dinastía de Selasie es la más antigua y conservada del mundo, gracias a la posesión de esta reliquia pétrea. De ahí que algunos gobiernos, como el caso del régimen de Musolini en Italia, desearan poseerla para devolverle a la alicaída Roma la grandeza de los siglos perdidos. Otros estudiosos afirman que la longevidad de la dinastía no es por la posesión de la reliquia, si no por su simple parentesco semi divino. Su Majestad Haile Selassie fue el único descendiente directo del rey David en gobernar en la tierra y, por la tanto, uno de los pocos hombres con parentesco comprobado con la encarnación terrestre de Jesús de Nazaret, llamado el Cristo.
La Iglesia abisinia pone sus fundamentos en el Antiguo y en el Nuevo Testamento. Afirman que, además de los judíos, fueron de las primeras poblaciones en conocer y practicar la ley de los Diez Mandamientos desde el tiempo de la Reina de Saba, quien marchó hasta Salomón para recoger y luego repartir su sabiduría. Como es conocido, y escrito, entre los dos nació un amor del que vino a la luz al volver a su patria, su primer hijo Menelik. Al cumplir 20 años, Menelik fue a Israel a conocer a su padre quien le recibió con grandes honores y celebraciones que llenaron el templo de incienso y las calles de vino de Damasco. Al ver a Menelik, Salomón lo reconoció de una manera inaudita: “¡He aquí mi padre, el Rey David, que ha resucitado de entre los muertos. No necesitan decirme quien es este joven que ha venido porque yo veo en él a mi sangre revivida. Es verdadero hijo mío e idéntico a mi padre, tal como lo recuerdo en mi infancia!”
 Menelik llevó a su regreso doce ensayos de Israel, los libros del Antiguo Testamento y el Arca de la Alianza con las Tablas de la Ley, que los abisinios escondieron en el centro del Lago de Zway, cuando los musulmanes intentaron apoderarse de ella. Ahora el Arca de la Alianza aguarda su tiempo en Etiopía, custodiada día y noche por un monje, así como los manuscritos del antiguo Testamento. También ahí se encuentra el único ejemplar del libro de Enoch, hombre llevado en cuerpo y alma al cielo por su fe y conocimiento en los días del Génesis.
            Otra versión sostiene que las piedras han ascendido al cielo y lo único que queda en esta tierra es el Arca que las contenía, la cual aun mantiene sus poderes prodigiosos. Elena de White, mística norteamericana que tuvo una visión del reino celestial, publicada en 1917, afirma que estas tablas contienen el reglamento básico que nos será aplicado durante la ceremonia del Juicio Final y tendrán una reaparición oficial, la cual a muchos no será del todo grata. 

La piedra al final de la Caja de Pandora

  “Te doy el nombre de Pandora, nombre que significa La Mujer de Todos los Dones” anunció Zeus a la hembra primigenia, antes de enviarla a la tierra desde las alturas del Olimpo, sostenida por los brazos de Hermes, mensajero supremo, orlada de sedosidades y aleteo fugaz de amorcillos y ninfas aéreas.
            Pandora no sólo fue la primer hembra: fue también la primera en ser creada en una fragua y por las manos artesanas de un herrero. Los hombres se habían vuelto demasiado vanidosos y soberbios, por lo que Zeus mandó a su hijo Hefestos a crear  a la mujer; algo más difícil que templar la armadura de Marte o pulir el escudo de Minerva. Luego de darle forma, Zeus le insufló una chispa de fuego divino escapado de los hornos del Urano.
            Las gracias, las horas y las musas adornaron su pecho con joyas que no son posibles visualizar ni siquiera en esta vida.
            No es aquí el sitio para repetir el grave descuido de Pandora, que entre tantos dones, recibió la veta de la curiosidad. Al fondo de la caja en donde se custodiaban los males que aun afligen al hombre, aguardaba la piedra de la esperanza… Aristarco, Plotino e Hipatia coinciden en el postulado de que ese guijarro estuvo compuesto por el mismo material divino con el cual se mandó darle forma a Pandora, reconocible por un resto de la quemadura que encendiera su alma femenina. De origen, la piedra no representaba la posibilidad de salvar al hombre y la mujer: solo era un fragmento olvidado por Hefestos, luego de destrozar con un golpe definitivo de su mazo, el molde donde diera forma a la dama y que, a su momento y forma, revelaría inesperadas propiedades curativas y también de caritativo engaño ante la catástrofe. (La piedra, no la dama.)

La roca negra de la Kaaba

No ha sido posible realizar ningún examen científico de la piedra mágica de la Kaaba.  Las teorías de los astrónomos sostienen que es un meteorito rocoso, de color oscuro y para nada metálico. Dos geólogos reconocidos insinúan que es un pedazo voluminoso de ágata. Escritores islámicos sostienen que en un principio el color era blanco y que el tono actual se debe al manoseo continuo o a la turbiedad de los pecados del mundo.
 El punto de vista oficial del guardián de la piedra negra es que dicha roca fue colocada en su posición actual por el patriarca Abraham y descendió de un cielo religioso, para nada aristotélico, copernicano o cercano a la teoría de la relatividad, tan en boga en el mundo de la magia desde 1905. Este argumento es muy útil para desvirtuar cualquier prueba física de la roca, ya que los resultados no afectarían para nada a la doctrina islámica, dicen ulemas desprovistos de cualquier inseguridad teológica.
 La comunidad científica desea analizar la roca de la Kaaba, aunque sea en un pequeño fragmento; así se podría precisar su edad por la exposición a los rayos cósmicos, tiempo acontecido entre la fragmentación y su llegada a la tierra. Una hipótesis sostiene que hace 5 millones de años, en la época que Darwin llama de los primates, la piedra negra de la Kaaba se desprendió del asteroide 22 Calíope, giró en torno al sol durante los tiempos geológicos, y chocó finalmente contra la península arábiga hace 2500 años (Carl Sagan: El cerebro de Brocca). Los astrólogos aún no han interpretado de manera satisfactoria lo que implicaría dicho periplo estelar y divino para nuestro tiempo, así que la pregunta se sigue realizando en vano.

La punta de flecha celeste en el templo de Diana, en Éfeso.

Una de siete maravillas del mundo antiguo menos citadas en el templo de Diana en Efeso, Asia Menor, hoy Imperio Turco. Mucho menos invocada aun es la roca negra depositada en el Sancta Santorun que había caído el firmamento como una señal de los dioses; en concreto, una punta de flecha disparada desde la luna creciente, simbólico arco de la cazadora Diana. Hoy los habitantes de aquella región  ondean en su bandera la luna del Islam y un dictador autárquico ha prohibido el uso del fez, en espera de modernizar así un poco el aspecto de su gente.
La Diana de Efeso es una versión helenizada de Astarté y de Cibeles, según crónicas de otros magos. Su culto fue criticado acerbamente por San Pablo, según podemos comprobar en los Hechos de los apóstoles. Incluso se provocó un motín,  instigado por los orfebres que realizaban figuritas de plata del templo y vivían de su activo y supersticioso comercio. Los defensores del Imperio Romano citan ese pasaje como un ejemplo de la legitimidad de la vida en esa época de gloria, ya que los paganos intentaron que Pablo y sus seguidores fuesen encarcelados o lapidados de manera pública. He aquí lo que cuenta la Biblia al momento de la discusión donde se defiende a Pablo de Tarso, la cual fue resuelta por la autoridad con mejor tino que aquella que en su momento exhibiera Poncio Pilatos en Judea.
“Fue tan terrible ese disturbio que el propio secretario de Ciudad calmó a la multitud con esta frase: Ciudadanos de Efeso, ¿quien no sabe que la ciudad de Efeso guarda el templo de la gran Artemisa y su imagen caída del cielo? Siendo esto algo tan evidente, conviene que ustedes se calmen y no cometan ninguna locura. Éstos hombres que han traído aquí no han profanado el templo ni han insultado a nuestra diosa. Si Demetrio y sus artífices tienen cargos contra alguno, para eso están las audiencias y los magistrados: que presenten aquí sus acusaciones. Y si el asunto es de mayor importancia, que se resuelva la asamblea legal. ¿Han pensado ustedes que podríamos ser acusados de rebelión por lo ocurrido hoy? No tendríamos excusa alguna para justificar este tumulto.
 Y dicho esto, disolvió la asamblea. (Hechos de los apóstoles, 19: 28, 41.)

El anillo de cornalina de Mahoma

Los musulmanes creen que Mahoma llevaba un anillo de plata con un fragmento de cornalina, hecho que la vuelve sagrada en una cultura donde escasean las reliquias  y el culto a la personalidad de los hombres santos. Como Mahoma no deseaba que lo venerasen al pasar algunos siglos después de su muerte, mandó que nadie guardarse el menor retrato o dibujo de su rostro para no terminar como imagen cotidiana en los altares. Solo sabemos que al noble profeta le faltaban dos dientes en el maxilar inferior, herida que no se considera grotesca porque la recibió de un golpe de alfanje durante la primera gran guerra santa.
De lo poco que sabemos del Profeta es que usaba un anillo de plata con una cornalina. Dicha piedra se utiliza para grabar en ella versículos del Corán, a manera de amuleto, detalle no muy difícil de lograr, gracias a la ventaja de la caligrafía árabe sobre el poco grácil y modélico alfabeto latino.
El Lapidario de Alfonso X – rey recordado como “El Sabio” porque supo rodearse en su corte por hombres sabios – asigna a la cornalina tres virtudes : "La una, que ayuda a los oradores cuando la traen consigo, pues les da esfuerzo para razonar sin miedo y ayúdales también para que lo hagan apuestamente. La otra, que es buena para estancar la sangre que corre mucho, mayormente a las mujeres cuando les sale más de lo que debe. Y la tercera virtud es que sirve para los dientes cuando la hacen polvos y la frotan sobre ellos, pues los limpia, hácelos claros y crece la carne entre ellos, y hace también las encías muy bermejas".
En el antiguo Egipto, la cornalina, tenía un valor profundamente religioso, y la usaba la diosa egipcia Isis para proteger a los muertos en su errabundo peregrinar después de la existencia. Por su parte, los vivos acostumbraban ponérsela en la mano o en la frente para calmar la ira, los celos, la envidia, el odio y a veces la tristeza.
El rey cristiano fue un hombre sabio, pero sólo Ala es más sabio porque Él todo lo ve, todo lo sabe y todo lo puede. La gloria sea con Aquel Quien No Muere.

La piedra filosofal de los alquimistas

Tres fueron las obsesiones que atormentaron por siglos a los alquimistas. Por un lado intentaron la transformación de metales innobles, como el plomo y el cobre en metales preciosos, como la plata y el oro. Trataron de crear una sustancia que fuera capaz de curar todas las enfermedades. Finalmente, se demoraron en descubrir el elixir de la inmortalidad.
Todo se resumía en la búsqueda de la piedra filosofal, única sustancia de ese mundo capaz de conseguir la transmutación, la panacea universal y la inmortalidad. La creencia más extendida afirmaba que esta sustancia, puesta en un metal innoble como el hierro, mediante el proceso de fusión, es transformada en oro.
La verdadera Piedra Filosofal es roja. Este polvo rojo posee tres virtudes:
1.-  Transmuta en oro el mercurio o el plomo en fusión, sobre los cuales se deposita una pulgarada.  Roger Bacon (1219-1294), franciscano de Hibernia, se atrevió a afirmar que la piedra filosofal era capaz de transformar en oro una cantidad un millón de veces superior de metal vulgar. Arnoldus Villanovus (1235-1312), autor del Rosarius philosophorutn, una de las joyas escritas de la alquimia, se contentó con una cantidad cien veces superior. Ramón Llull (1235-1316), del que se decía que en vida había acordado un pacto con el diablo y que posteriormente fue canonizado por la Iglesia -fue lapidado siendo misionero entre los musulmanes-, escribió lo siguiente en su Testatnentutn novissimutn:
«Toma un pedacito de esta exquisita medicina, tan grande como una judía. Échalo en mil onzas de mercurio y todo se transformará en un polvo rojo. De este polvo echa una onza en mil onzas de mercurio, que se transformará en polvo rojo. De este polvo, coge nuevamente una onza y échala en mil onzas de mercurio y todo se convertirá en medicina. Coge una onza de la misma y échala en mil onzas de mercurio nuevo, y todo se convertirá nuevamente en medicina. De esta última medicina echa una onza en mil onzas de mercurio y entonces se transformará en oro, que será mejor que el oro de las minas.»
2.-  Constituye un enérgico depurativo de la sangre y, cuando se le ingiere, elimina cualquier enfermedad o maldición. En dosis especiales provoca la inmortalidad, pero no podemos revelar aquí el procedimiento. Conservaba la salud y prolongaba la vida por cuatrocientos años y más ¿O es que la larga vida de los patriarcas no se debió a la circunstancia de que debieron encontrarse en posesión de esa joya? Los alquimistas árabes creyeron que el oro fabricado artificialmente, incluso en forma líquida, era apto para beber (aurun potabile) y ocultaba poderosos efectos curativos.

3. – También actúa sobre las plantas, y las hace crecer, madurar y dar frutos en  pocas horas. Pero escasos han sido los alquimistas que decidieron experimentar y desperdiciar a la piedra filosofal en vanas cuestiones agrícolas. Si la inmortalidad está a la vera, ¿para qué perder el tiempo en actividades de naturaleza hortícola y sedentaria?

La rosa del desierto

La Rosa del desierto – pompa del páramo y gema del infierno le nombró un poeta sufí- es un mineral de origen sedimentario, formado sobre la base del yeso en zonas desérticas, en la actualidad o en el pasado, que forman un capullo de formas lenticulares entrecruzadas, semejantes a una rosa vegetal. Los antiguos creían que se materializaba con la orina del camello, ya que no era raro que estos brutos,  con su inesperado torrente turbio, las hiciesen aparecer durante el descanso de las caravanas. Esa cualidad la comparte con la lincita, producida por los orines de un felino mencionado mucho en el África, a diferencia de la draconita, cuyo aspecto es similar, nada más que esta es extraída del cerebro del dragón recién sacrificado.
            Sus propiedades mágicas fueron descubiertas por una sacerdotisa saharaui llamada Wardhan Darbeiya. Pero se desconocen en que consiste su maravilla; han jurado sus descendientes conservar el misterio y éste sólo se transmite de madre a hija primogénita. Un detalle indispensable de la magia de esta roca es que las conocedoras deben llevar el mismo nombre y esta hermandad ha trascendido las fronteras. Deben bautizarse como su descubridora, o si no, con alguna versión parecida… ya sea Fiodarliso, Rodhongulem, Rosasharn o a veces Florisa.

La piedra imán de la isla de Laputa

Reseñada por el marino Lemuel Gulliver, esta pieza magnética fue descubierta en un témpano de hielo desprendido del casquete polar y llevada a una tierra insular, la cual desde entonces no toca la corteza terrestre, errante entre las nubes y escabulléndose de las tormentas. Por lógica, el pescador que la encontró se volvió  el gobernante absoluto de su reino. El imán posee la capacidad de mover a cualquier rincón del cielo a la flotante isla de Laputa; siempre  al criterio de la majestad en turno, las cuales han formado una desquiciada dinastía. Algunos incrédulos han pensado que esta referencia es solo una improvisada parábola de Lemuel Gulliver para ejemplificar los males del absolutismo y descreen de esa descripción de una isla capaz de desaparecer, hipótesis que en cambio es creencia común de navegantes  mucho más reputados y en demás admirables.
            Un cataclismo de hace milenios dividió en dos al polo magnético de la tierra, siendo uno de ellos el pequeño imán que dirige hoy y para siempre los destinos de Laputa. El otro fragmento es más inmenso y por lo tanto no removible; es aquel que hipnotiza a todas las brújulas del planeta. Paracelso afirma que la prueba de ello  es que, como todo buen marino reconoce, el norte magnético se encuentra a una distancia imprecisa del verdadero norte geográfico de la tierra y esa oscilación cartográfica es la que demuestra qué, alguna vez, el norte del mundo dejó de ser exacto y luego se convirtió en otra cosa que nadie sabe como funciona ni donde empieza… Para evitarle conflictos a la navegación y a la salud de sus habitantes, la isla de Laputa solo se mueve en un espacio confinado de poca importancia; aunque quizá pronto mude al solitario sur de Australia.  Ya es reciente el aumento del tráfico en la zona cercana a las Bermudas, cuyos huracanes e islas prodigiosas, antes desconocidos e improbables, fueron mencionadas con sarcasmo por William Shakespeare en una de sus páginas.