Avatares de un ser nacido mujer es el título de la reciente obra pictórica de Carmen Martínez, una mujer singular que ha logrado hacer de su existencia –sus avatares- un verdadero objeto de arte.

Con delicadeza extrema y, a la vez, gran fuerza expresiva y claridad, va presentando y relacionando los diversos segmentos que conforman esta finísima serie que quiere ser y es un encuentro de dolor gozoso con ella misma.

En un vuelo fantasioso de anhelos íntimos, ella logra transmutar la realidad vivida en una metáfora de atinada belleza.

Avatares es como un trabajo de filigrana hecho con hilos de papel –los finísimos hilos de su alma- que ella los entrelaza con manos de arista para convertir lo fugaz en permanente.

Carmen Castellote (poeta)

Alas abiertas	Avatares de un devenir mujer	Braza que se extingue	Del cobre al tinto
Deshabilitando el espacio	El haz es el envéz	Fijeza	Filo de sombra
Metáfora del tiempo	Monólogo

CARMEN MARTINEZ
ARTISTA PLÁSTICA

Pintura en filigrana

En el arte de la creación se desempeña cubriendo ahora la intrincada labor en el desarrollo de su técnica a la que llamo pintura en filigrana plasmada en papeles de texturas y colores que otorgan el matiz a cada una de sus creaciones multicolores ahondando en la fantasía de los sentimientos del alma. Teniendo un efecto en la continua presentación de su obra en diferentes foros culturales a lo largo y ancho de la República Mexicana.

Exposiciones en el año 2001

• En el múltiple encuentro, lugar teatro Sergio Magaña mes de marzo Instituto de Cultura de la Ciudad de México.

Exposición colectiva

• Exposición en la Lotería Nacional mes de agosto.

Exposiciones en el año 2000

• Llama de amor viva, lugar: delegación de Tlalpan mes de abril.
• Llama de amor viva, lugar: Quintana Roo museo de cultura Maya10 de julio al 5 de agosto
• Llama de amor viva, lugar: Campeche Archivo general del estado 11 de agosto al 1 de septiembre.
• Llama de amor viva, lugar Tabasco galería del Jaguar despertado 8 de septiembre al 3 de octubre.
• Llama de amor viva, lugar: Veracruz galería de arte Atarazanas del 9 de octubre al 5 de noviembre.

Exposición colectiva

• Exposición del 29 al 4 de julio del 2010 en la Mega Artesanal y Artistas Plásticos Inmigrantes en Sao Paulo, Brasil.
• En el Múltiple Encuentro, lugar: Morelos Tepoztlan museo de Tepoztlan 28 de octubre al 30 de noviembre.

Publicaciones

• Revista Tierra Adentro publicación CONACULTA numero junio-julio del 2005 Ilustraciones.
• Revista Tierra Adentro publicación CONACULTA numero junio-julio del 2001 Ilustraciones.
• Revista Cultural Fronteras publicación CONACULTA número invierno del 2000 exposición plástica Carmen Martínez gira sudeste.

Fray Angélico #61, Mixcoac
México, D. F. TEL / FAX: (55)5683 0067 y (55) 5611 5487
bchydra@hotmail.com

TONI PRAT

“ELOCUENCIAS”

Una de mis mayores satisfacciones ha sido siempre la comunicación. Poder hacer llegar a otra persona, aquello que tú percibes, tal cual. Poder transmitir como tú quieres aquello que pretendes que le llegue ha sido siempre mi deseo más preciado.
A causa de la dificultad de esta tarea, creo que la humanidad ha ido inventando lenguajes. A uno de ellos se le ha llamado música; a otros, poesía, escultura, pintura, narrativa, fotografía, cine y tantos otros menos utilizados, quizás, pero tan válidos como estos.
He querido jugar un poco con todas las artes –lenguajes- que he podido y que al mismo tiempo me han gustado. Soy consciente de que cuando “tocas tantas teclas” no te puedes parar demasiado en la técnica. Y esto es lo que he hecho siempre cuando he creído que ésta no era especialmente esencial para comunicar el concepto que aspiraba transmitir.
Me he peleado intensamente con la concreción y la relatividad. He de confesar que no he llegado a nada en concreto sobre la concreción y sí a la reflexión de que la relatividad parece relativa. Lo que quiere decir que vivo o creo vivir en un eclecticismo ideológico constante.
Esta manera de pensar fue la que me empujó al mundo de la poesía visual, en la cual se concreta bien poco y en cambio se relativiza buena parte. Encontré que era una forma de expresarme en la que el receptor podía ser que se identificase conmigo y que entendiera el mismo mensaje o que entendiera un mensaje diferente y se identificara también conmigo o que no se identificara conmigo y entendiera su propio mensaje o también desgraciadamente, -ni una cosa ni la otra-, que no encontrara ningún mensaje, ni siquiera se identificara conmigo (posibilidad habitual en el mundo de la interpretación).
Queda claro que para mí lo importante ha sido y es crear mensaje, ya que lo considero el umbral de toda posible comunicación.
En esta recopilación de pretendidas “elocuencias” no verbales he querido opinar sobre temas lo suficientemente fundamentales en la vida como para no escatimarles tiempo. Cada página ha sido sopesada y sopesada para que llegue a vosotros nítida y sin “paja”. Me gustaría crear un diálogo con quien se fije en estos poemas, tan rico y profundo como un pozo sin fondo, no solo por mi pericia, sino por la complicidad y aportación, en todo momento, del interlocutor.
Ojalá todo lo que os quiero decir os lo pudiera transmitir…

Toni Prat

“ELOQUENCES”

One of the greatest sources of satisfaction for me has always been communication. Getting across my exact viewpoint to another person, transmitting what I want them to understand, just as I intend, has always been my greatest wish.
Given how difficult this is, I think humanity gradually developed languages. We called one of them music and others poetry, sculptural art, painting, narrative, photography and cinema, in addition to numerous other languages that are perhaps less widely used but equally valid.
I wanted to play around with all the arts (languages) that I could and that I like. I realize that when “you are the Jack of all trades”, you can’t concentrate much on technique, so that has been my philosophy whenever technique has not seemed particularly crucial in getting across the concept that I wanted to transmit.
I have struggled bitterly with the notions of specificity and relativity. I must confess that I have got nothing much out of specificity but I have, on the other hand, from reflecting on the fact that relativity seems relative. That means that I live or I think I live in a state of constant ideological eclecticism.
That way of thinking was what pushed me toward the world of visual poetry, where there is little specifying and much relativizing. I found that it was a form of expression in which the spectator might identify with you and understand the same message, understand a different one but identify with you, not identify with you but understand the message, or unfortunately – neither one thing nor the other – not find any message there and not even identify with you (a common possibility in the world of the arts).
Clearly, for me, what has been and still is important is the creation of a message, since I consider it to be the gateway to possible communication.
In this collection of intended non-verbal “eloquences”, I wanted to put forward my opinion on things that are sufficiently fundamental in life for us to spare time on them. Each page has been carefully thought out so that it comes across clearly with no sense of the superfluous. I want to enter into dialogue with the person looking at it: a dialogue as rich and profound as a bottomless well, not just through my own skill but with the aid and contributions, at all times, of the spectator.
I hope I can get across everything I wish to say to you…..
Toni Prat
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Pròleg del llibre Eloqüències

LA PARADOJA

La mirada que dirigimos a los objetos, a las relaciones entre ellos, a la relación que mantienen con nosotros y la que mantenemos entre nosotros mismos se va desafilando con el contacto diario, va perdiendo agudeza y acaba siendo tan superficial que ya no sabemos ver la riqueza del entorno, de los objetos y las personas y la riqueza de las relaciones que establecen.Entonces surge el poeta de detrás de la cortina y nos muestra la figura que hay “entre” los objetos, nos muestra el negativo y nos hace ver que aquí mismo, en nuestra rutina cotidiana, hay otro mundo inobservado, y la realidad vuelve a ganar intensidad, color, y nos parece toda nueva, como acabada de desempaquetar.Pero el poeta insiste y nos muestra no solamente la parte que acostumbra a permanecer invisible porque mantenemos la atención en la figura y no en el fondo, sino que además nos enseña el diálogo que las figuras establecen entre ellas y de esta manera nos damos cuenta de que hay más cosas entre el cielo y la tierra de las que habíamos soñado. Nos damos cuenta de que estamos aprendiendo a mirar de otra manera, que aprendemos a ver la rica complejidad de nuestro entorno, la curiosa fantasía de las cosas en relación, de los objetos en contacto, la diversión de la paradoja, la sonrisa de la vida cotidiana.Sin estridencias, sin despropósitos, con unas pocas imágenes en contacto, el poeta nos muestra otra mirada posible sobre nuestro entorno aparentemente más que conocido, pero que es, en definitiva, una fuente inagotable de sorpresas, de ingenio y de jocosidad.Y finalmente estamos nosotros, con nuestra mirada, nuestra actividad, nuestras relaciones, nuestros contactos. Nosotros como sujetos y como objetos, como intérpretes y como espectadores, como poetas y como personajes, como figuras de un juego cósmico y como jugadores que ríen y que compiten con toda la seriedad, como si todo ello fuera serio.Es entonces cuando vemos que la realidad, aparentemente tan ajena, la hacemos nosotros. Nos damos cuenta de que nuestra mirada es la realidad.

La paradoxa

La mirada que adrecem als objectes, a les relacions entre ells, a la relació que mantenen amb nosaltres i la que mantenim entre nosaltres mateixos es va esmussant amb el contacte diari, va perdent agudesa i acaba essent tan superficial que ja no sabem veure la riquesa de l’entorn, dels objectes i les persones i la riquesa de les relacions que estableixen.Aleshores surt el poeta de darrere la cortina i ens mostra la figura que hi ha “entre” els objectes, ens mostra el negatiu i ens fa adonar que aquí mateix, en la nostra rutina quotidiana, hi ha un altre món inobservat, i la realitat torna a guanyar intensitat, color, i ens sembla tota nova, acabada de desempaquetar.Però el poeta insisteix i ens mostra no solament la part que acostuma a romandre invisible perquè mantenim l’atenció en la figura i no en el fons, sinó que a més ens ensenya el diàleg que les figures estableixen entre elles. D’aquesta manera ens adonem que hi ha més coses entre el cel i la terra de les que havíem somiat. I ens adonem que estem aprenent a mirar d’una altra manera, que aprenem a veure la rica complexitat del nostre entorn, la curiosa fantasia de les coses en relació, dels objectes en contacte, la diversió de la paradoxa, el somriure de la vida quotidiana.Sense estridències, sense estirabots, amb unes poques imatges en contacte, el poeta ens mostra una altra mirada possible sobre el nostre entorn, aparentment més que conegut, però que és, en definitiva, una font inesgotable de sorpreses, d’enginy i de jocositat.I finalment hi som nosaltres, amb la nostra mirada, la nostra activitat, les nostres relacions, els nostres contactes. Nosaltres, com a subjectes i com a objectes, com a intèrprets i com a espectadors, com a poetes i com a personatges, com a figures d’un joc còsmic i com a jugadors que riuen i que competeixen amb tota la seriositat, com si tot plegat fos seriós.Aleshores veiem que la realitat, aparentment tan aliena, la fem nosaltres. Ens adonem que la nostra mirada és la realitat.

THE PARADOX

Our perception of objects, their interrelations, their relationship with us, and our own interrelations gradually fades with daily contact, losing its sharp resolution and finally becoming so superficial that we are no longer able to perceive the richness of our surroundings, objects or people or the richness of relations that are forged.Then the poet emerges from behind the curtain, showing us the figure “amid” those objects, showing us the negative, and making us realize that right here, in everyday routine, another unobserved world lies concealed. And once again reality regains its intensity and colour, and everything seems new and newly unwrapped to us.The poet persists, however. Not only does he show us the normally invisible part so that our attention remains focused on the figure and not the background, but also the dialogue that emerges among the figures. In this way we realize that there are more things between the sky and the earth than we had ever dreamt of. And we realize that we are learning a new form of perception, that we are learning to see the rich complexity of our surroundings, the strange fantasy of interrelated things and linked objects, the entertaining side to a paradox, the fun of everyday life.With no sense of garishness or incongruency but, instead, with a few linked images, the poet shows us another potential way of looking at our more than familiar surroundings: in short, a way that is an endless source of surprises, ingenuity and entertainment.And, in the end, there we are too, with our perceptions, our activities, our relations and our links: as subjects, objects, actors, spectators, poets, characters, figures in a cosmic game, players who laugh and who compete with total seriousness, as if everything were serious.Then we understand that it is we who create that so apparently alien reality. We realize that our perception is reality.

LA PARADOXA

La mirada que adrecem als objectes, a les relacions entre ells, a la relació que mantenen amb nosaltres i la que mantenim entre nosaltres mateixos es va esmussant amb el contacte diari, va perdent agudesa i acaba essent tan superficial que ja no sabem veure la riquesa de l’entorn, dels objectes i les persones i la riquesa de les relacions que estableixen.
Aleshores surt el poeta de darrere la cortina i ens mostra la figura que hi ha “entre” els objectes, ens mostra el negatiu i ens fa adonar que aquí mateix, en la nostra rutina quotidiana, hi ha un altre món inobservat, i la realitat torna a guanyar intensitat, color, i ens sembla tota nova, acabada de desempaquetar. Però el poeta insisteix i ens mostra no solament la part que acostuma a romandre invisible perquè mantenim l’atenció en la figura i no en el fons, sinó que a més ens ensenya el diàleg que les figures estableixen entre elles. D’aquesta manera ens adonem que hi ha més coses entre el cel i la terra de les que havíem somiat. I ens adonem que estem aprenent a mirar d’una altra manera, que aprenem a veure la rica complexitat del nostre entorn, la curiosa fantasia de les coses en relació, dels objectes en contacte, la diversió de la paradoxa, el somriure de la vida quotidiana.

Blog personal: POESIA VISUAL

Para todos los cuadros:
“El nombre en náhuatl”; acrílico sobre tela estampada; 300 x 200 cm.; 2009; Antonio Gritón

¿Quién diablos es El Gritón?
Por Aurora Noreña

La trayectoria de Antonio Ortiz (1953), mejor conocido como "Gritón", abarca tanto la producción como el activismo artísticos. Desde su obra, o desde proyectos colectivos autogestivos, ha logrado reflexionar en torno a temas de relevancia e interés comunitario, y articular acciones ciudadanas encaminadas a construir infraestructura artística y social más allá de la oficial.

Muestra de ello son los eventos gestionados por él junto con diferentes artistas, profesionistas, y asociaciones civiles como:  la fundación de la revista Réplica21(2002), la toma de Reforma(2004), la constitución del Museo Público de Arte Contemporáneo de Tlalpan (2005), los seminarios y Parlamentos Alternos I y II (2005-2006) para la revisión de la legislación nacional en materia de cultura, las diversas exposiciones colectivas donde convoca a la comunidad artística a opinar sobre temas polémicos y de actualidad (como las dos más recientes sobre las reformas a la ley petrolera, y los festejos por el bicentenario de la independencia de México en el 2008), sus textos críticos publicados esporádicamente en distintos medios, y su permanente interés por encontrar nuevos espacios para la lucubración y divulgación del arte.

Su producción artística es también extensa en cuanto a temática y experimentación en distintos medios y técnicas. En pintura y escultura utiliza o inserta elementos y objetos de la estética popular y del mercado de consumo masivo para re-significarlos y articular con ellos una poética visual híbrida entre lo fantástico y lo real, mientras aborda temas vinculados a fenómenos sociales de la globalización como las migraciones, los derechos humanos y las preocupaciones por el medio ambiente en: la instalación, el performance, el video, y el arte público.

Aunque existe una distancia conceptual entre la especulación formal de sus pinturas de los ochenta (figuración kitsch y profusión de motivos decorativos), y la especulación filosófica de  sus recientes combine paintings  (abstractas y al mismo tiempo simbólicas), junto con la reflexión social de su labor no pictórica, su trabajo conserva siempre un espíritu lúdico y un sentido del humor a medio camino entre la burla pueril y la ironía elaborada.

Su trabajo más reciente integra sus inquietudes de siempre sobre el medio ambiente articulando  nociones culturales del paisaje a partir de observar y re-elaborar desde diversas perspectivas el medio rural (su nuevo lugar de residencia: Navarra, España) a partir de lo que el llama una nueva abstracción con elementos figurativos en la pintura, y del objet trouvé en la fotografía: retratando instalaciones involuntarias de los habitantes de dicha región de España.

Aurora Noreña

Oh! Hermano mío, escúchame a pesar de la noche. Lo que he de decirte es apenas audible; luego podrás huir por la escalera que reluce bajo la luna: “Te amo”. Rezarás ser mío, por la nada que he sido toda mi vida.

Vincent La Soudière

1	6	21	Abismal	Abunda dermis!!
AutoKurgo	Des-doblamiento destructivo	El dolor	Emerge el recuerdo	Encuentro permisivo
Entre dolor y locura	Gaiática	gnôthi seautón	La otra noche	Maná de ti luz
Manantial de ti	Oscura Gaia	Pariéndose

Intento nombrar las imágenes de mi mente, alma y corazón, plasmarlas en las sensaciones de la observación que tantas confusiones me trajo durante toda la evolución que por fin desembocó en un ensayo fotográfico.

Las inquietudes sonámbulas en noches interminables despertaban todos los días en la convivencia diaria con cualquier otro; las actitudes, los rasgos, lo oculto, lo obvio, lo lastimero, lo hermoso, lo mítico, lo existencial… juntos formaban un no sé qué que no puedo nombrar ni aceptar si me lo presentan desnudo. Así pasaba varios días de niño y adolescente, lidiando con una reflexión inesperada, necia de respuestas, ávida de situaciones, hambrienta de conocimientos y extraña a mi sentir porque no lograba entender la causa de su obstinación y la facilidad manifiesta para desentrañar y conocer las partes constituyentes de algún otro ser humano que lo definían como individuo, con sus virtudes y defectos, con sus grandezas y debilidades.

Un “autourgos”, uno que con sus propias manos trabaja su tierra, así definiría el camino que me llevó hasta esta forma de expresar mi sentir adquirido hace ya muchos años y descubierto hace apenas un par de ellos.

He hablado de la Celebración de la vida y el olvido del ser, desentrañando ideas y conceptos que, pienso, podrían ser del dominio de muchos otros seres que como yo quieran desafiar lo dado, lo establecido; pero esa fue la primera parte de toda mi intención cuando decidí emprender este maravilloso proyecto. La otra parte, el thorubos, es un grito guerrero, un enfrentamiento directo con la emoción y las sensaciones que pueden provocar las imágenes.

Para lograr lo anterior quiero confesar mis errores anteriores, los rollos en diapositiva desperdiciados y la cobardía en mi alma, cuerpo y corazón que surgieron por querer acelerar un proceso que necesitaba de tiempos específicos para encontrar la energía necesaria de la creación creativa con todo el valor requerido para confrontar y hacer surgir los demonios o los ángeles de mis modelos específicamente escogidos para cada momento de obturación.

¿Cualquiera puede modelar para una fotografía? ¿Es necesario un actor, un profesional o solamente alguien dispuesto? En mi experiencia, no puede ser cualquiera o al menos el tema y mi complicidad con él no me lo permitieron en ningún momento, porque requería de su sentir, de su pasión, de su presencia y solidaridad conmigo a la hora de entrar en situación; tenía que pedirles que expresarán lo que marcaba su vida, lo que escondían y pocas veces se atrevían a decir, dejándome atrapar el momento, para compartir lo mío con lo suyo, y asi derrotar la soledad en la que a veces nos sentimos inmersos para descubrir en otro la fraternidad de la comprensión mutua.

Los espejos, hombre y mujer no pueden verse a sí mismos a pesar del espacio reducido entre ellos para un encuentro satisfactorio; se rodean, se miran, se buscan, se enojan, se desesperan… Y no pueden encontrarse. Tan sólo bastaría el atrevimiento de él para saltar del otro lado del espejo; ella no necesitaría más que querer darse cuenta que no hay límites para su encuentro… Ninguno atraviesa. Al final no se han dado cuenta que son uno y el mismo, negando al otro, negándose las posibilidades del otro. Allí surgiría la respuesta a la pregunta: ¿Quién mira en el espejo cuando crees que te estás mirando?

La abundancia, estableciendo la voluptuosidad de la sexualidad manifiesta, la que no se oculta, el placer de sabernos ciertos y aceptables en nuestros deseos y no “sucios” o “degenerados”. Lo sexual, lo abundante, el cuerpo, la carne brillan como el más dulce sueño, son parte constitutiva de nuestros instintos, nos llenan de vida, seguir negándolos es aceptar un mundo robótico, inerte, moderno. Ella siente en su cuerpo el ardor del deseo, ella sabe que el mundo aún no está listo para recibirla, por eso se esconde, por eso ha sido callada, pero oculta no quiere decir muerta, sino más bien paciente.

Eurídice, lo inaprensible, el movimiento, aquella mujer que Orfeo no pudo asir con la más bella música, aquella que decidió perder en nombre de lo infinito, de lo auténtico. Convierto su tragedia en la más pura gloria porque su atrevimiento lleva a entender que el amor es hijo de la libertad, que se puede renunciar a lo común para lograr saber quién es aquella persona con la que hemos compartido tantas cosas. Tal vez el polvo de Eurídice esté impregnado en el cuerpo eternamente perdido de Orfeo, como elección, como pasión, como la eternidad invernada, aquella donde todo es infinitamente cambiante.

El dolor, sensación de todos, aceptación de pocos. Muestro la cara de la fortaleza, aquella que simula lo infranqueable, lo inmóvil, lo duro, la resistencia… Soledad de un dolor desesperado, loco de sí mismo, alimentado por la falta de comprensión y aceptación de la propia fragilidad. A nosotros (como hombres) también nos duele, dejemos de apretar nuestro propio corazón, dejemos de enfrentar de manera destructiva, no hace falta tanto resquebrajamiento. Es más sencillo afuera que adentro.

Gaia, ¡¡Lucha Gaia!!! Aún no está nada escrito, tu fortaleza, belleza y regeneración puede mostrarnos lo reversible, lo autogenerativo, lo autopoyético, lo gaiático. Aprender de nuestra autorregulación nos hará ver el daño que hemos y nos hemos hecho al imponernos, al esclavizar, al oprimir, al limitar nuestra más pura naturaleza ¡¡Te nos vas a la oscuridad!!! Lucha que nos queda un pedacito de luz que en tus manos es vida en constante reinvención.

Fusión, calma que estoy llegando a tu lado no para confundirme ni mucho menos perderme; calma y mira dentro de ti la esencia de la que podría ser tu compañera; calma hermano mío que estás comenzando a ser, a ser en plenitud. Quien llegue podrá ser o no ser, pero permitirás su libre crecimiento y si de la mano deciden transitar juntos, juntos crecerán, cada quien por su lado, se buscarán para amarse.

Estoy por dejar de escribir para dar paso a mi nuevo lenguaje: la fotografía. Exprésame en tu exposición abierta o detalla la luz como la veo sobre los cuerpos, muéstrame en un veinteavo de segundo lo fugaz de un momento, o en un minuto y medio como dejo rastro de mí por doquier. Dame la capacidad de encontrar en los artefactos la vida expresiva de un mundo lleno de sensaciones y expresiones distintas dispuestas a que ocasionalmente las atrape si estoy dispuesto a dejarme a atrapar por ellas. Lenguaje vivo de luz cálida o fría, de teoría del color y puntos áureos, exponme subexpuesto si me deprimo y lléname de luz si pretendiese acabar con las formas al tratar de hallar una abstracción; equilíbrame en el gris del dieciocho por ciento para no perder detalles ni esencia en mis objetivos. Comunica mis sentidos, mis alegrías y pesares, mis dudas y respuestas, mis demandas y complacencias, mis momentos de ocio, mis necedades, en fin, comunica mi vida para llegar a los otros, para encontrarme con los otros.

Llega hasta los sentidos, sacúdelos, calla las palabras por un momento, dejemos de hablar y contemplemos lo que tenemos que decir, ya no para la mente sino para el alma.

Vale más un minuto de pie que una vida de rodillas.

José Martí.

T.O.N.A.
Buscando nuevas formas de expresión visual de impacto emocional, T.O.N.A. trata de llevar reflexiones, cuentos y versos de su autoría a la mirada fija e introyectiva de la fotografía.
Escritor aficionado, inicia su carrera fotográfica tardíamente en las aulas de la UNAM tomando cursos de Introducción a la Fotografía (2007) y Fotografía Publicitaria (2007); los cuales desembocan en un Portafolios Fotográfico titulado La Celebración de la Vida y el Olvido del Ser (2009), con el cuál obtuvo el grado de Licenciado en Ciencias de la Comunicación con especialidad en Publicidad por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México.
Dedicado principalmente a  laborar de free lance como fotógrafo de gastronomía, teatro, danza y product shot; y de igual forma, adentrándose en el Diseño Gráfico, Web y Animación en Flash, T.O.N.A., se encuentra en la búsqueda constate de expresiones que lleguen a plasmar, más que una imagen, una huella visual.
Actualmente se encuentra desarrollando un proyecto en fotografía titulado Explosión en Luz, el cual busca captar los diversos sentimientos humanos por medio de luz y color.

Guillermo cumple siete decenios de vida en este 2009, y lo celebra con la aparición de un gran libro publicado por La Cabra Ediciones. Aquí algunas imágenes del pintor nacido en Durango y adoptado desde la infancia por Monterrey.

El gozo estético en Guillermo Ceniceros

José Angel Leyva

A veces me pregunto ¿cuál es el lugar de nacimiento de Guillermo Ceniceros? ¿Será un pueblo maderero de Durango, la dinámica ciudad regiomontana, la región menos transparente del aire o cualquier espacio del mundo donde halla visto que su ser se asienta? Creo en verdad que, como hombre, tiene varios lugares de origen, pero como artista su alumbramiento fue en la FAMA. Sí, nada menos que en la FAMA (Fabricación de Máquinas, de Monterrey), esa empresa-escuela que le dio la oportunidad de estudiar dibujo industrial, para más tarde impulsarlo hacia los caminos de las artes plásticas. Su conciencia estética nació justo en una atmósfera fabril, en el concierto del diseño, las herramientas, la funcionalidad de las cosas y las proyecciones humanas en las máquinas. Tal vez porque ese nacimiento ocurrió en dicho ambiente, es que la racionalidad, la intuición y los impulsos simétricos de Ceniceros adquieren con muchísima frecuencia y naturalidad un espíritu renacentista, aun cuando su reino es de este mundo revolucionado por las comumicaciones. Es decir, siempre encuentra uno la intimidad del artista, del individuo, inmersa en una imagen cercana del universo, o la compleja soledad de los hombres resuelta en el encuentro con la naturaleza, con su historia, consigo mismos. La sensibilidad humanística haciendo girar la esperanza tecnológica. Resulta pues interesante venir a hablar acerca de un libro dedicado a la obra y a la vida de un artista que halló aquí, en Nuevo León, las primeras puertas de la FAMA. Un libro editado por el Banco de Comercio Exterior, pero, además y sobre todo, concebido en Monterrey.

En el vasto terreno en que se asienta el libro de Guillermo Ceniceros, alcanzamos a disfrutar una panorámica de su versatilidad técnica, constructiva, imaginativa, creadora. Vemos pasar imágenes representativas de su actividad en los muros, la tela, el papel, los tórculos, el metal, la madera. Presenciamos la relación del artista con la materia y la herramienta; visualizamos diálogos y luchas simultáneas por dominar la sustancia y moldearla a los deseos, a las formas que se demandan o se intuyen, se olfatean, se perciben entre las sombras y las luces del ejercicio plástico: allí donde reside el accidente provocado, fundado, conversado; donde asoma el asombro.

Búsqueda y experimentación son piedras angulares en el quehacer estético de Ceniceros, son principios rectores del talento y la habilidad con que elabora su discurso, a la vez que fuerzas generadoras y regeneradoras que lo empujan a abrir puertas y más puertas. El gran descubrimiento es el arte, la inconformidad de la forma, la insaciable búsqueda y la mirada siempre igual y siempre distinta del mismo fenómeno: la vida. De allí nace la presencia casi irrenunciable de la figura en su obra, de la concepción que la anima. Lo humano se revela en lo geométrico, en la textura, en el dibujo, en la mancha, en el diseño, en el silencio, en el plano decorativo o en la más profunda de las abstracciones. Aun en esos cuadros en donde somete a la vista a una pesada rigidez y a un mutismo desértico, a la soledad más pétrea, hay con mucha frecuencia el movimiento interno de la claridad y la insinuación de figuras femeninas.

Pero en su lenguaje plástico, la levedad es una cualidad dominante. Los personajes, en su mayoría femeninos, son portadores del gesto fundamental de la extrañeza, de la instrospección, de la seducción como dominio del mundo simbólico contra el poder del universo real. La figura femenina, los valores escondidos o velados de la mujer, adquieren a través de la gravedad pictórica un carácter onírico, se presentan en fondos, más que atmósferas, que desnudan el asombro de quien emerge de su propio sueño. El gesto se mueve en la ambigüedad de lo que viene o de lo que va. El movimiento es una preocupación o una tendencia innata en Ceniceros, porque sus figuras o sus atmósferas poseen de manera natural una dinámica que evidencia una actitud o una virtualidad circulante, flotante, levitante o en perpetua vibración, incluyendo a las imágenes rocosas. La seducción, tal como la concibe Jean Baudrillard, aparece en el universo estético de Ceniceros con el carácter de la apariencia, del artificio, de un lirismo insinuante que se desprende en una figura solitaria o en conjuntos móviles y combinatorios que invocan la imaginación y el juego. Lo femenino es luz.

En su andamiaje discursivo el dibujo es esencia y cualidad que florece, que se deslinda o se entraña en el color. La línea es sortilegio en la manos de Ceniceros. Pero muy poco nivel alcanzaría el dibujo como virtud si no entrara en el conocimiento y en las exigencias de la geometría. No es difícil entonces advertir en sus series “Juegos gráficos”, “Latidos concéntricos”, “Espejos sonoros”, “Espejos comunicantes”, y en general en su obra mural, la vocación y el gusto por el equilibrio, por la profundidad de los planos, los efectos tridimensionales, los reflejos, las simetrías, las correspondencias, los efectos visuales, en suma: las proyecciones de lo humano en el orden cósmico o en la armonía del ser. Esa misma definición focalizada por Miguel Angel, Durero, Leonardo Da Vinci, Escher, Picasso, Siqueiros. La técnica y la sensibilidad, el arte y la ciencia, el pensamiento y los sentidos, la destreza y la disciplina, se conjugan en los espacios y en el tiempo del artista, en su búsqueda perpetua de la estética de los sueños, de la comunicación.

Lo monumental requiere, además de la audacia y la imaginación, de apoyos y cálculos firmes para sostenerse, para no extraviarse en la fantasía de Babel o para perder el sentido de su relación con las cosas y el entorno. El muralismo de Guillermo Ceniceros se construye con partes de grandes dimensiones, como un discurso elocuente que se distancia de la hipérbole pedagógica o doctrinaria, y se aproxima a las recapitulaciones de la civilización, a las huellas del homo sapiens, al vestigio rupestre de la sublimación, a la flor y el canto de los códices mesoamericanos y al surtidor intelectual de la historia personal y colectiva, a un presente en expansión sobre el planeta y el mañana. La muralidad de Ceniceros son crónicas sobre los muros, pasos del tiempo y la esperanza, reflexiones de un transeúnte en la historia o simplemente el encuentro con el gozo estético.

GALERÍA DE GUILLERMO CENICEROS

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Akio Hanafuji

Akio Hanafuji Ueda.

Nació en Higashi-Sumiyoshi-Ku; Osaka, Japón. En 1970 concluye Artes Plásticas en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Osaka. Y en 1978 egresa del postgrado en Artes Plásticas en la  Escuela Nacional de Pintura y Escultura: “La Esmeralda” del I.N.B.A., México D.F.

A partir del año de 1975, Akio Hanafuji decide radicar en nuestro país y visita por primera vez Chiapas, quedando asombrado, perplejo, emocionado con la diversidad de su cultura y la naturaleza florida. Desde entonces, por su mente revoloteaban las imágenes de las personas, la cotidianidad y los multicolores de Chiapas, que le invitaban a traducirlas en pinceladas. Empero, es hasta el año de 2006 que decide vivir en San Cristóbal de Las Casas; cambiando su residencia a la capital chiapaneca en 2009.

Ha participado en doce exposiciones individuales y una colectiva en el estado de Chiapas, desde enero de 2006 a la fecha. A nivel nacional e internacional a dado a conocer su obra, a México como su país y a Chiapas como su inspiración:

• Exposición Colectiva: 5+Plus en la Universidad Autónoma del Carmen. Agosto de 2005.
• Ciudad del Carmen, Campeche. Exposición: “Arte y Consciencia” en la Inauguración de la Academia Nacional de Investigación y Desarrollo (ANIDE). Mayo de 2005.
• Cuernavaca, Morelos. Exposición del grupo NACK 35 en la galería MASAGO. Febrero de 2005.
• Osaka, Japón. Exposición Individual: Centro Cultural: La Tallera, Museo Casa de Estudio de David Alfaro Siqueiros. 2004.
• Cuernavaca Morelos. Exposición Colectiva: 5+Plus en el Instituto de Estudios Educativos y Sindicales de América. (México 2003, Canadá y EU 2004, Japón y Puerto Rico 2005, Holanda, Francia y España 2006). 2003.
• México, D.F. Exposición Individual, Universidad del Estado de México. 1980.
• Toluca, Estado de México.   Exposición Individual, Palacio de Bellas Artes del I.N.B.A., Sala Internacional. 1977.
• México, D.F.   Exposición Individual, Galería Muramatsu. 1974.
• Tokio, Japón. Exposición Individual, Galería Masago. 1972.
• Osaka, Japón. Exposición Individual, Grupo NACK, Galería Masago. 1971-1975.
• Osaka, Japón. Exposición Dokuritsu, Museo de Ueno de la Ciudad de Tokio. 1970-1974.
• Tokio, Japón. Exposición en KANSAI, Museo de la Ciudad de Osaka. 1965-1974.

Akio Hanafuji en su trayectoria como pintor plástico, ha sido galardonado y tenido el honor de recibir los siguientes premios:

• 2000. Japón, Japón. Jurado calificador Vitalicio otorgado por el Grupo Nake 38.
• 1998. Japón, Japón. Jurado calificador Vitalicio del Grupo Kansai-Ten.
• 1996. Japón, Japón. Primer Lugar en Exposición Colectiva otorgado por el Grupo Nake 38.
• 1995. Japón, Japón. Primer Lugar en  Exposición Colectiva otorgado por el  Grupo Nake 38. 1975. Japón, Japón. Japan Artist Association Membership.
• 1974. Japón, Japón. Invitado especial de “KANSAI”.
• 1973. Japón, Japón. Primer Lugar  en “KANSAI”.   1972. Japón, Japón.  Primer Lugar en “KANSAI”.   1970. Japón, Japón.  Segundo Lugar en  la exposición de la parte sur de Japón “KANSAI”.

Semblanza: Socorro Chanona León.

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GALERÍA DE AKIO HANAFUJI UEDA

Cantando al alba - Óleo sobre Tela 85 x 1.00 Mt. 2008	Descansando - Óleo sobre Tela 145 x 105 cm	Mercado - Óleo sobre Tela 1.20 x 90 cm. 2006	Origen - Óleo sobre Tela 85 x 1.00 Mt. 2008
Pena -Óleo sobre Tela 85 x 100 cm. 2007	Reposando la fiesta - Óleo sobre Tela 85 x 1.00 Mt. 2008	Rezar - Óleo sobre Tela 2.00 mt x 1.90 cm. 2006	Toro - Óleo sobre Tela 1.92 x 1.80 cm
Trio - Óleo sobre Tela 90 x 120 cm. 2007	Zinacanteca 1 - Óleo sobre Tela 120 x 90 cm. 2007

AKIO HANAFUJI: HECHICERO DEL LIENZO EN CHIAPAS
 Por: Marisa Trejo Sirvent

 Akio Hanafuji lo sabe, ya tenía esa certeza desde que comenzó a pintar en su lejana Osaka: “el arte es aventura, exploración y, a veces, descubrimiento”.[1] Buscaba algo, sí, probablemente mágico, ese instante dichoso que hace cambiar el rumbo de las olas para llevarnos hasta remotas tierras que algún día soñamos encontrarnos, para permanecer en ellas, con la certidumbre del que ya se vio caminando como uno más de sus habitantes.

 
   En una visión notablemente onírica, pero de gran autenticidad, en imágenes en parte, difuminadas, pero en otras, intencionalmente exactas, crea, bajo su mirada de artista,  rostros y personajes llenos de dignidad, en espacios que se reconocen como parajes serenos y nublados de los Altos de Chiapas.

 
   Akio sabe observar los rituales y tradiciones de las culturas de origen maya de Chiapas: no voltea hacia el pasado, sino al presente, al instante de exploración, de fascinante descubrimiento; no imita el arte de ese mundo perdido entre musgos, frescos y estelas de las ruinas, en medio de la selva; no proyecta extrañeza, sino hechizo, magia, tradiciones inmemoriales, en lienzos que combinan tonalidades grisáceas pero también exquisitos arco iris, música de violines sin tiempo; Akio es ya uno de ellos, no refleja lo pintoresco, común en la pintura hecha por extranjeros.  Ha sabido captar en los años que le han permitido amar la tierra chiapaneca, no la imagen detenida en el tiempo, sino la imagen envuelta en bruma, las nubes que se mueven, los pasos pausados de las mujeres y los hombres de las culturas que enaltecen a Chiapas, y más que un colorido policromado, definido en líneas que reflejan los significados de sus textiles, sabe proyectar sus miradas, formando parte de un ritual o de una delicada labor cotidiana que se ubica no en un tiempo lineal, sino circular. Enfrenta así, también no sólo un descubrimiento, sino un desciframiento del transcurrir incesante del tiempo, en movimientos. No busca la sublimación de los personajes, pero tampoco la estilización de sus figuras ni el encasillamiento.
    Su pintura tiene algo del lejano oriente, algún rasgo que nos remonta a los dibujos antiguos de su cultura original, pero que la vez, de otros movimientos plásticos que él admira y estudia. Ha sido hecha con la misma emoción, el mismo sentimiento que imprimen las culturas mayences en sus ritos, la recreación de la cosmogonía y los  sueños en unas tejedoras, los suaves movimientos del danzante y la mirada del anciano entre la neblina de sus paisajes y el humo que sale de sus tejados fríos. Akio Hanafuji no desea reconstruir el pasado, sino marcar una inscripción nueva para que alguna vez, en el futuro, pueda ser recordado como el autor de estos lienzos, que cual frescos mayas, puedan leerse, descodificarse y recuperarse, inscripciones sobre este tiempo eterno en la riqueza artística y cultural y orgullosa identidad de estas culturas, sobrevivientes de la feroz historia de la ignominia de la colonia, de la injusticia de los siglos siguientes, a través de los años de lucha y esperanza, de corazón abierto al arte, la dignidad, las tradiciones y la belleza.

[1] Octavio Paz.

AKIO HANAFUJI Y LA ESENCIA ESPIRITUAL DE LA REALIDAD
Por: Oscar Palacios

Acercarse a la obra plástica de Akio Hanafuji, es rodearse de un hálito con la esencia espiritual de la realidad. Una abstracción impregnada de sentimiento con el contraste simultáneo de los colores primarios que se desparraman en trazos y tonos fuertes. La voz interior del ser y el pensamiento.

Akio plasma con profunda sensibilidad, ese abrazo de intensidad multicolor que se da entre los hombres verdaderos de Chiapas y la milenaria y trascendental cultura japonesa.

Oscar Palacios.

MARISA TREJO SIRVENT, ES QUIEN MÁS RECIENTEMENTE HA DESCRITO SU OBRA:

Marisa Trejo Sirvent Foto: archivo de la escritora

Su obra se encuentra incluida en una veintena de  antologías regionales, nacionales e internacionales, entre las que destacan: Poetas de Chiapas (París, Caracteres, 1997), Antología de poetas mexicanos del siglo XX (Editions Patiño, Suiza, 2004) La señal de la noche (UNAM, México, 2000) y Tejedores de palabras (Madrid, 2005). Ha obtenido los siguientes premios: Nacional de Cuento (UNACH, 1976), Nacional de poesía José Gorostiza (1991) y Premio Armando Duvalier (2005).

Ha publicado: Rojo que mide el tiempo  (1989), Juegos de soledad (1994), Dos voces chiapanecas (1999), Jardín del paraíso (2000), Una introducción a Sor Juana Inés de la Cruz (2001), Dame mi soledad (2003) y Chiapas biográfico  (2006). Es coautora de la antología de poetas chiapanecos del siglo XX, Árbol de muchos pájaros, y de la antología de poesía erótica escrita por mujeres en lengua castellana, Al filo del gozo.